Pero primero, comencemos con las referencias de Los Simpsons a El Grito, de Edvard Munch.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

Referencias a El Grito

La primera referencia la tenemos en el episodio La Casita del Horror IV (S05E05). Bart presenta los episodios, mientras detrás de él desfilan cuadros famosos parodiados. Esto es un homenaje a Rod Serling’s Night Gallery, un show de televisión estadounidense que presentaba historias de terror y temas sobrenaturales y que estuvo activo desde 1970 hasta 1973.

Entre las obras que pasan, ya hemos visto en otro artículo que aparece El Hijo del Hombre, de René Magritte. Te recomiendo mucho ese artículo: Los Simpsons y René Magritte.

Entre otros cuadros, pasa también una parodia de El Grito, de Edvard Munch, donde vemos a Lisa en vez de la clásica figura atormentada del cuadro.

El Grito vuelve a aparecer en Los Simpsons, en una fantasía de Homero en el episodio El Sax de Lisa (S09E03). Allí Homero derrota en el metegol a varias obras de arte y al preguntar quién es el siguiente, aparece una personificación de El Grito exclamando «¡Yooooooo!».

El artista, Edvard Munch

El cuadro El Grito es en realidad una serie de cuadros y de grabados, del artista noruego Edvard Munch. Estas obras datan del siglo XIX, siendo la más conocida de todas de 1893.

Edvard Munch fue un pintor noruego cuya obra exploró las profundidades de la emoción humana a través de un estilo expresionista único, aunque algunos creen que no fue realmente un expresionista y que tiene rasgos propios del simbolismo.

Munch nació en 1863 en la ciudad de Ådalsbruk y su infancia estuvo marcada por la enfermedad y la pérdida, experiencias que influyeron profundamente en su arte. A lo largo de su carrera, Munch desarrolló una paleta vibrante y una técnica cargada de dramatismo, utilizando líneas ondulantes y colores intensos para transmitir estados anímicos complejos.

Sus primeras influencias provinieron del simbolismo y el impresionismo, pero con el tiempo creó un lenguaje visual propio que trascendió los movimientos artísticos de su época. Es por eso que es difícil asociarlo a una corriente en particular.

Uno de los temas recurrentes en su obra fue la fragilidad de la existencia humana, con una constante exploración del amor no correspondido, la muerte y la ansiedad. Obras como Madonna y El Baile de la Vida muestran su fascinación por la dualidad entre el deseo y la melancolía, con figuras que parecen atrapadas en una atmósfera de ensueño y desesperación.

Además, su serie de pinturas titulada Friso de la Vida refleja su obsesión con los ciclos de la vida, desde la juventud hasta la muerte, abordando la angustia y la efimeridad con una intensidad casi teatral.

Más allá de la pintura, Munch incursionó también en la litografía y el grabado, dejando una huella duradera en el arte gráfico. Su legado influyó en generaciones de artistas expresionistas, especialmente en Alemania, donde su obra fue acogida con entusiasmo, hasta la llegada de los nazis, quienes consideraron el arte de Munch arte degenerado (en alemán, Entartete Kunst)

A pesar de los altibajos de su carrera y las críticas que enfrentó en vida, Munch logró consolidarse como un referente esencial del arte moderno. Su impacto sigue vigente, y sus obras continúan siendo estudiadas por su capacidad de plasmar la psique humana con una fuerza arrolladora.

Una obra marcada por la muerte y la angustia existencial

Como te contaba, la vida de Edvard Munch estuvo marcada por la tragedia desde su infancia. A los cinco años, su madre murió de tuberculosis, dejándolo al cuidado de su padre, un hombre profundamente religioso que le inculcó un temor casi obsesivo a la muerte y al pecado.

La tragedia volvió a golpear a la familia cuando su hermana mayor, Sophie, murió de la misma enfermedad cuando Munch tenía 14 años. Estas pérdidas lo afectaron profundamente y se convirtieron en temas recurrentes en su obra, donde la enfermedad, la muerte y la angustia existencial aparecen con frecuencia.

Además de la muerte de su madre y su hermana, Munch sufrió problemas de salud durante toda su vida. Desde niño padeció enfermedades respiratorias y pasó largos periodos encerrado en casa, donde desarrolló su gusto por el dibujo y la pintura.

¿Algo más? Sí, todo siempre puede ponerse peor. Su hermano Andreas murió poco después de casarse, y su otra hermana, Laura, fue diagnosticada con trastornos mentales y pasó la mayor parte de su vida en hospitales psiquiátricos.

La combinación de enfermedades físicas y trastornos mentales en su familia hizo que Munch sintiera una conexión constante con la fragilidad de la existencia, lo que se reflejaba en su arte de manera intensa y angustiante.

Los trastornos mentales de Munch

La adultez de Munch tampoco estuvo libre de tormentos. Nunca se casó y sus relaciones amorosas fueron turbulentas, marcadas por la desconfianza y la ansiedad.

En 1908 sufrió una crisis nerviosa grave, potenciada por su consumo de alcohol y el estrés acumulado, lo que lo llevó a internarse en una clínica psiquiátrica en Dinamarca. Tras su recuperación, adoptó un estilo de vida más solitario, dedicándose por completo a su arte en su casa en las afueras de Oslo.

A pesar de su aislamiento, su producción artística continuó hasta su muerte en 1944, dejando un legado profundamente marcado por su vida personal trágica y su lucha constante contra la enfermedad y la pérdida de seres queridos.

Hay más de un grito

El Grito no es una obra única, sino una serie de versiones que Edvard Munch creó entre 1893 y 1910 utilizando diferentes técnicas. Existen cuatro versiones principales: dos en pintura (una en témpera y otra en óleo), una en pastel y otra en litografía. Cada una presenta ligeras variaciones en color y textura, pero todas mantienen la misma composición: una figura angustiada con el rostro distorsionado frente a un cielo ondulante y dramático.

Las versiones más conocidas se encuentran en la Galería Nacional de Noruega y en el Museo Munch en Oslo. Además, Munch produjo litografías de la imagen para su reproducción, lo que ayudó a difundir su impacto en la cultura visual.

A lo largo de los años, algunas versiones de El Grito han sido objeto de robos y recuperaciones, lo que ha aumentado aún más su notoriedad. Algo similar a lo que ocurrió con La Gioconda de Leonardo da Vinci, que era un cuadro menor hasta que fue robado y, posteriormente, recuperado.

El grito más conocido

La versión más conocida de El Grito es la pintura realizada en 1893 con técnica de témpera sobre cartón, que mide 91 x 73,5 cm. Esta obra se encuentra en la Galería Nacional de Noruega en Oslo y es considerada una de las piezas más icónicas del arte expresionista.

En ella, Munch plasmó una escena de profunda angustia existencial, con una figura andrógina de rostro distorsionado y manos en la cara, como si estuviera atrapada en un grito silencioso. El fondo ondulante y los colores intensos del cielo refuerzan la sensación de inquietud y desesperación.

Temáticamente, la pintura refleja la ansiedad y el tormento interior, inspirados en una experiencia personal del artista. Según Munch, la idea surgió mientras caminaba por un sendero en Oslo cuando, de repente, sintió una «enorme ola de ansiedad» y percibió un cielo rojo sangre que lo envolvía.

Esta visión quedó plasmada en la obra, que ha sido interpretada como una representación del miedo, la alienación y la angustia moderna. La pieza se enmarca dentro del expresionismo, un movimiento que buscaba representar las emociones humanas de manera intensa y subjetiva, distorsionando la realidad para enfatizar sentimientos profundos.

En cuanto a sus influencias, Munch tomó inspiración del simbolismo, en particular de artistas como Vincent van Gogh y Paul Gauguin, quienes también exploraban la emoción a través del color y la forma.

Además, la obra refleja el impacto de la psicología en el arte, con referencias al existencialismo y a la fragilidad de la mente humana.

El Grito ha sido objeto de múltiples análisis y ha dejado una huella imborrable en la cultura visual, convirtiéndose en un símbolo universal de la angustia y la desesperación.

Además, ha sido objeto de parodia, como las referencias de Los Simpsons, y con el tiempo, se ha convertido en una pintura de culto.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Para seguir viendo y leyendo

• ANGUSTIOSA y ATORMENTADA VIDA de EDWARD MUNCH. El pintor de EL GRITO.
• Edvard Munch [Wikipedia en inglés]
• El Grito – Wikipedia en inglés [Wikipedia en inglés]

La entrada Las referencias a El Grito, de Edvard Munch en Los Simpsons se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

Este es uno de los cuadros más conocidos del pintor del Barroco. Así que vamos a aprovechar la referencia para aprender un poco sobre arte y a conocer algunos datos sobre Rembrandt. Pero como siempre, comencemos primero con la referencia.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

La referencia

En el episodio 19 de la temporada 16 de Los Simpsons, Homero está convencido de que el fin del mundo se acerca. En un momento, asciende a los cielos y allí es recibido como si estuviera en un club privado o en un hotel de superlujo. Su ángel guía le presenta las instalaciones y detrás, van pasando diferentes obras de arte reconocidas, demostrando el nivel y la categoría del Paraíso.

Hay varias obras que merecen un análisis en Los Simpsons Explicados, pero prefiero comenzar con Los síndicos de los pañeros, de Rembrandt, ya que es una pintura conocida pero no tan popular entre el público.

Los síndicos de los Pañeros

Los Síndicos de los Pañeros es una pintura de Rembrandt van Rijn que retrata a cinco miembros de un gremio de pañeros de Ámsterdam, acompañados por un sirviente. Esta obra fue encargada directamente como un retrato grupal oficial por el Gremio de Pañeros de Ámsterdam en 1662.

El cuadro muestra a los síndicos reunidos en una mesa de trabajo mientras parecen ser interrumpidos en plena deliberación. La composición destaca por su realismo y la habilidad de Rembrandt para capturar la personalidad de cada figura, así como su maestría en el manejo de la luz y la sombra.

El cuadro simboliza el poder económico de los gremios en la Edad de Oro neerlandesa y resalta la importancia del comercio textil en la sociedad de la época.

He tenido la oportunidad de ver esta obra en el Rijksmuseum de Ámsterdam, que es el museo más grande los Países Bajos. Es una obra imponente por donde se la mire, de grandes dimensiones, con un juego de luz y sombras increíble. Este cuadro de Rembrandt es una de las principales atracciones de este museo.

La técnica de un gran maestro

La obra es un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 191,5 cm x 279 cm. La técnica empleada por Rembrandt combina capas de pintura cuidadosamente aplicadas para crear texturas, detalles precisos en los rostros y la ropa, y su característico uso del claroscuro para dar profundidad y dramatismo a la escena.

La iluminación parece provenir de una fuente natural, lo que resalta los detalles en los rostros y las manos de los síndicos, así como los pliegues y texturas de sus atuendos. El fondo oscuro ayuda a enfocar la atención en las figuras principales, mientras que los tonos cálidos y las pinceladas expresivas aportan un carácter dinámico y vivo al retrato grupal.

Temática

Como se puede ver, en el cuadro aparecen cinco hombres y un asistente, todos vestidos con atuendos oscuros típicos de la burguesía calvinista, adornados con gorgueras blancas que reflejan su estatus.

Los pañeros eran comerciantes y fabricantes de telas, un sector esencial en la economía neerlandesa del siglo XVII debido a la alta demanda de tejidos de calidad tanto en los mercados locales como internacionales.

Los síndicos, también conocidos como inspectores o regentes del gremio, eran responsables de supervisar la calidad de las telas producidas por los miembros del gremio. Realizaban inspecciones periódicas para asegurarse de que los paños cumplían con los estándares establecidos, protegiendo así la reputación del gremio y asegurando la confianza de los compradores.

Además, organizaban las actividades gremiales y actuaban como representantes legales y administrativos de sus colegas ante el gobierno de la ciudad.

El cuadro refleja no solo una reunión profesional, sino también el prestigio y la organización que caracterizaban a los gremios en aquella época.

La mesa, cubierta con un lujoso mantel rojo, alude al comercio de textiles, mientras que la mirada directa de los síndicos hacia el espectador genera una sensación de inmediatez y conexión, como si hubieran sido interrumpidos en medio de una discusión importante. Este detalle subraya su compromiso y diligencia, características que los definían como líderes de su gremio.

La temática de la obra trasciende el retrato grupal y se convierte en una representación del espíritu comercial y la ética de trabajo que impulsaron la prosperidad de los Países Bajos en el siglo XVII.

A través de los síndicos, Rembrandt celebra la importancia de los gremios como pilares de la sociedad y la economía de su tiempo, mientras enfatiza el equilibrio entre autoridad colectiva e individualidad, capturada en los rostros y actitudes de cada uno de los retratados.

Sobre Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, en los Países Bajos. Fue uno de los más grandes pintores y grabadores del Barroco, conocido por su maestría en el uso de la luz, la sombra y su habilidad para capturar la humanidad de sus personajes.

Rembrandt provenía de una familia acomodada, lo que le permitió recibir una buena educación y dedicarse al arte desde temprana edad. Estudió en la Universidad de Leiden y posteriormente se formó como artista bajo la tutela de Jacob van Swanenburgh y Pieter Lastman, dos destacados pintores de su tiempo.

Rembrandt fue una figura clave del Barroco neerlandés, un movimiento artístico que floreció durante la Edad de Oro de los Países Bajos, cuando el país experimentaba una notable prosperidad económica y cultural.

Su estilo se caracteriza por el uso magistral del claroscuro (contraste entre luces y sombras) y su capacidad para transmitir emociones profundas a través de expresiones faciales y posturas corporales. Aunque sus temas iniciales incluían obras mitológicas y religiosas, más adelante se enfocó en retratos, autorretratos y escenas de la vida cotidiana.

Otras dos grandes obras de Rembrandt son:

• La ronda de noche (1642), un imponente retrato grupal que revolucionó la composición tradicional de este tipo de pinturas. También se encuentra en el Rijksmuseum de Amsterdam.
• Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632), un retrato colectivo que combina ciencia y arte con una narrativa poderosa. Esta obra se encuentra en el Mauritshuis de La Haya.

Además, Rembrandt es conocido por sus autorretratos, que documentan su evolución personal y artística a lo largo de su vida, así como por grabados como Los cien florines, que demuestran su virtuosismo técnico.

A pesar de su éxito inicial, Rembrandt enfrentó problemas económicos en la última etapa de su vida debido a su estilo de vida extravagante y a las fluctuaciones en la demanda de su obra.

Murió en Ámsterdam el 4 de octubre de 1669, dejando un legado que ha influido profundamente en generaciones posteriores de artistas. Su capacidad para captar la esencia humana y su dominio técnico lo consagran como uno de los más grandes genios del arte universal.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

La entrada Homero y Los síndicos de los pañeros, de Rembrandt se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

Primero vamos a repasar la principal referencia a esta escultura en Los Simpsons y después te voy a contar su historia, que, ya te digo, es muy interesante.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

La referencia

En el episodio Tomy, Daly y Marge (S02E22), Marge se ensaña contra los dibujos animados de Tomy y Daly a causa de la violencia que generan. Con su activismo, logra cambiar a estos personajes recibiendo el apoyo de la sociedad conservadora de Springfield.

Cuando era chico y miraba este episodio no me daba cuenta, pero ahora, viéndolo a la distancia, este episodio es claramente una protesta contra la censura y una celebración de la libertad de expresión artística. Y esto tiene mucho que ver con la aparición del David de Miguel Ángel al final del episodio.

Springfield tiene la suerte de recibir esta obra de arte del maestro Miguel Ángel Buonarroti, pero la conservaduría de la ciudad, encarnados en los personajes de Mod Flanders y Helen Alegría, se opone a que se exhiba porque muestra un desnudo frontal.

Marge piensa distinto. Cree que es estúpido censurar una obra de arte, lo cual nos deja pensando a todos cuál es el límite de la libertad de expresión. Bueno, pues… ¡No hay límite para el arte en todas sus formas!

Pero bueno, ahora sí. Aprendamos con Los Simpsons. Conozcamos la historia del David de Miguel Ángel.

El David de Miguel Ángel

La nueva República de Florencia

Era una nueva época para Florencia, centro del Renacimiento europeo. Los Médici habían gobernado durante años, destacándose Lorenzo el Magnífico, mecenas de Leonardo Da Vinci y otros tantos artistas.

Sin embargo, en 1492 la ciudad fue entregada en bandeja al Rey de Francia, en su travesía hacia Nápoles. El pueblo florentino se indignó con el entonces señor de los Médici, Piero II.

Ese fue el momento para que el monje Savonarola tomara el control de la ciudad y la convirtiera en una teocracia. Pero no le duró mucho ya que estaba enfrentado con el Papa Alejandro VI, es decir Rodrigo Borgia. Y con esa gente había que tener cuidado.

Para resumir un poco lo acontecido, Savonarola acusó al Papa de un montón de pecados. El Papa, desde Roma, lo excomulgó y Florencia se le volvió en contra al monje. Terminó quemado en la hoguera en la Piazza della Signoria. Ya volveré con esta plaza más adelante.

Mientras ocurría todo esto, Florencia intentaba recuperar su autoridad como ciudad estado pero tenía serios problemas para mantener el orden en Pisa, ciudad dentro de su esfera de influencia. Allí se había dado una fuerte insurrección que le causaría derrotas militares a los florentinos.

El panorama tenía que cambiar. Era el momento de la Segunda República de Florencia, un nuevo orden superador al modelo de señoría de los Médici. El gobierno se reorganizó y se dieron algunos eventos externos como la caída de los Borgia, lo cual le dieron algo de estabilidad, luego de varios años de imprevisibilidad.

Finalmente, en 1502, Piero Soderini fue elegido Confaloniero de la república, algo así como el presidente. ¿Quién estaba a su lado como asesor? Niccolò Machiavelli, cuya hábil mente manejaba los hilos del Estado y la política florentina.

El encargo

Ahora que tenemos el contexto histórico, en 1501 Florencia estaba reorganizándose y era el momento de dar vuelta la página y retomar proyectos artísticos de gran envergadura.

Entre las diferentes organizaciones que tenía la ciudad, se encontrama La Opera del Duomo, que se dedicaba a conservar y mantener los bienes de lugares importantes, incluyendo iglesias, a pesar de que la institución era laica.

La Opera del Duomo pretendía producir 12 estatuas gigantes de personajes del Antiguo Testamento para colocar en la histórica iglesia de Santa María del Fiore. Ya había dos de estas esculturas hechas. Una que había esculpido Donatello y otra de Agostino di Duccio, su aprendiz.

Pero esta historia viene de antes. En 1464, le encargaron justamente a di Duccio que hiciera un David, la figura bíblica que derrotó al gigante Goliat.

Desde Carrara, Toscana, llegó un pedazo de mármol obtenido de la cantera de Fantiscritti. Este bloque tenía una altura de 5 metros y medio. Era perfecto para el David de di Duccio, sin embargo, el proyecto quedó casi sin empezar.

Varios artistas intentaron esculpir el bloque pero no tuvieron éxito. Algunos incluso lo dañaron. Así fue como pasó el tiempo. El proyecto estuvo 25 años parado mientras la Opera del Duomo buscaba algún artista capaz de retomarlo, teniendo en cuenta que el bloque de mármol ya no era virgen.

El tiempo había llegado. Era una nueva época en Florencia y había un aritista florentino que la rompía en Roma: Miguel Ángel Buonarroti.

El artista ya se había consagrado esculpiendo La Piedad en Roma. Él era de Florencia pero todavía no había hecho ninguna obra importante para su ciudad. El David iba a ser esa obra. Por eso presionó para obtener el encargo y finalmente se lo dieron.

La creación de una obra maestra

La técnica

Miguel Ángel comenzó a trabajar en la obra un mes después de obtener el encargo. Tenía 26 años y esculpir el David le iba a llevar más de 2 años de su vida.

El bloque de mármol heredado estaba dañado y eso limitó las posibilidades de Miguel Ángel. El artista florentino primero creó bocetos a escalas más pequeñas. Los hizo en cera, para definir la postura en la que iba a estar su David.

Por esa época, los escultores pasaban de los bocetos al yeso, haciendo un modelo a escala real en este material. Sin embargo, Miguel Ángel se saltó el yeso y pasó directamente al mármol, usando para ello, un cincel y un martillo.

Vi al ángel en el mármol y tallé hasta que lo dejé en libertad.

Miguel Ángel Buonarroti

El artista decidió poner a David en un leve contrapposto. Esta es una postura que usaban los griegos y que era muy popular en el Renacimiento. Consiste en dotar de asimetría la ubicación de los hombros y las caderas, para dar una sensación de naturalidad.

De esta forma, la figura descansa su peso en una pierna, mientras que la otra queda más relajada. Esa es la forma en que los seres humanos nos paramos y es por eso que este tipo de esculturas resultan tan naturales y contrastan tanto con aquellas donde las figuras están firmes y hechas para ser miradas únicamente de frente, como es el caso de las egipcias.

Y vinculado a esto, Miguel Ángel hizo a su David para que sea admirado desde cualquier ángulo en que se lo mire.

El contrapposto del David de Miguel Ángel está considerado como el gran modelo a seguir.

Las proporciones

Al mirar al David terminado, tal vez pienses que es perfecto, pero si le prestás un poco de atención te vas a dar cuenta que varias partes de su cuerpo están desproporcionadas. En mi opinión, esto se nota mucho más con las manos. Son enormes. Pero también lo son su cabeza y torso.

¿Se equivocó Miguel Ángel? No, claro que no. Lo que no está del todo claro es por qué lo hizo.

Algunos creen que decidió mantener esta desproporción, debido a que la estatua iba a ser colocada en la iglesia de de Santa María del Fiore y debía poder ser apreciada desde lejos. Por eso era necesario destacar algunas partes del cuerpo de David.

Otros creen que esto es en realidad una característica propia del manierismo de la época, es decir, la sobre representación de los elementos de una obra para dar énfasis a algunos conceptos. En este caso, dotar a la cabeza y las manos de una mayor proporción para destacar lo importante que son la mente (cabeza) y la ejecución (las manos) en una batalla.

La temática

David venció al gigante Goliat con una honda y luego lo decapitó. La pregunta que muchos se hacen al ver esta obra es, ¿dónde está Goliat?

La temática ya había sido abordada por otros artistas. Por ejemplo, Donatello, quien había incluido la cabeza de Goliat a los pies de su David.

Pero Miguel Ángel prefirió centrarse sólo en David. Lo que también se discute es qué momento exacto está atravesando la figura. ¿Es antes del enfrentamiento, durante o después? Todo indica que es el momento previo al ataque. La tensión en la mirada de David parece mostrar su determinación y concentración.

Un aspecto religioso

David era judío. De hecho, se terminó convirtiendo en el rey de los judíos. La pregunta que cualquiera que preste un poco de atención podría hacerse es… ¿por qué David no está circuncidado? Desde el punto de vista religioso, no estaría siguiendo los dogmas del judaísmo.

La respuesta es que esta obra se basa en un episodio del Antiguo Testamento, pero no tiene en sí carácter religioso. Recordemos que era la época del Renacimiento y que el foco estaba puesto en el ser humano y la belleza.

Y ahora… ¿dónde ponemos el David?

Miguel Ángel terminó el David en 1504. La estatua de mármol blanco, que actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia, mide 5,17 m. y pesa 5,572 kg.

Terminada la obra, cualquiera que la mirara se daría cuenta de algo: era una obra maestra. ¿Valía la pena ponerla en una iglesia oscura, por más histórica que fuera para la ciudad? No, era un desperdicio y además había otro problema: era extremadamente pesada para estar allí.

Se formó un comité de notables para determinar la ubicación de la estatua. Entre ellos, estaban artistas como Leonardo Da Vinci y Sandro Botticelli. Es decir, gente muy grosa de la época.

Después de fuertes deliberaciones, Miguel Ángel se salió con la suya y logró que la estatua se ubique frente al Palazzo Vecchio en la Piazza della Signoria, donde lo habían quemado a Savonarola. Es decir, el centro político de la ciudad.

Quedaba un último tema político a definir. La mirada tensa y amenazante del David debía dirigirse hacia alguna dirección adonde hubiera enemigos. ¿A Pisa? No, por ese entonces, el Papa Julio II le daba cobijo en Roma a los Medici, así que colocaron al David mirando en esa dirección.

Finalmente, en 1504 la estatua fue descubierta en Florencia.

El David a través de los años

El David pasó mucho tiempo a la intemperie y sufrió desgaste producto del clima, pero también tuvo otro tipo de atentados e incidentes hasta llegar a nuestros días.

En 1504, unos jóvenes partidarios de los Médici apedrearon la estatua.

En 1512, al David le cayó un rayo.

En 1527, hubo una revuelta en Florencia contra los Médici que habían vuelto al poder. A la estatua le arrojaron un banco que le rompió un brazo. Estuvo 16 años sin ese brazo.

En 1843 hubo una restauración fallida. Intentaron limpiarlo con ácido clorhídrico y al hacerlo, le quitaron la capa protectora que Miguel Ángel le había agregado, dejando a la estatua desprotegida contra el clima.

En 1873 trasladaron al David de la Piazza della Signoria a la Galería de la Academia, con el objetivo de que no sufra más daños. En 1910, hicieron una réplica del David y la colocaron en la Piazza della Signoria, donde solía estar el David original. Hasta el día de hoy el original y la réplica están en estos lugares.

En 1991, un hombre entró a la Galería de la Academia con un martillo y le propinó un martillazo a un dedo del pie del David. Debieron reconstruirlo completamente. Lo interesante fue que al analizar los restos de mármol, descubrieron que la calidad de este no era tan buena y que su desgaste iba a ser más acelerado de lo previsto.

En 2003 se realizó la restauración más grande del David desde 1843. Hubo una gran controversia respecto a qué método utilizar. Había algunos partidarios de hacer una restauración seca y no invasiva para no alterar la obra original; pero otros creían que era necesaria una restauración húmeda, a pesar de afectar la obra de Miguel Ángel. Finalmente se optó por la restauración húmeda que concluyó en 2004.

Otra referencia al David

En el episodio El Sax de Lisa (S09E03) Homero se imagina jugando al metegol (¡o futbolín!) en un museo de arte. Allí derrota al David (quien aparece con una hoja tapando sus genitales). Agrandado con la victoria, Homero pregunta quién sigue. Inmediatamente aparece El Grito del noruego Edvard Munch.

Una obra de arte inigualable

El David de Miguel Ángel es una obra cumbre en la escultura y es una de las obras de arte más reconocidas mundialmente. Es tanto motivo de admiración como de estudio. Además, es una referencia constante en cuanto a obras de arte en libros, televisión, cine y cualquier otro formato cultural.

Muchos creen que la estatua no sólo representa a David, sino también a Florencia y a su gente. Una mirada tensa y desafiante, en un cuerpo perfecto. Fuerza e independencia conjugados en una única pieza de mármol de más de cinco toneladas.

¿Causó problemas el desnudo de David, como muestran en Los Simpsons? Hay un comentario que se le atribuye a Leonardo Da Vinci, cuando formaba parte del comité para decidir la ubicación del David. Leonardo creía que la estatua necesitaba un ornamento decente. Es decir, que se cubrieran los genitales.

Más acá en la historia, este tipo de obras suelen causar revuelo únicamente en sectores ultraconservadores con influencias religiosas.

En la actualidad, la única controversia que tiene esta estatua es su significado político. Como te contaba, hay quienes creen que representa más a Florencia que a la misma Italia.

Un mundo de cultura para descubrir

Espero que este artículo te haya gustado y que hayas aprendido algo nuevo. La historia del Renacimiento es apasionante.

Si te interesan los temas de historia y política que te conté en este artículo te recomiendo ver series como The Borgias, Medici, Da Vinci’s Demons o jugar a la saga de Assassin’s Creed. Obviamente también tenés muchos libros para investigar, pero como te conozco, te recomiendo primero algo más liviano para empezar.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Referencias y más información

• Lo que hay que saber sobre el David – Canal Pichi Snack de Arte [VIDEO]
• David de Miguel Ángel – Wikipedia
• Escultura David de Miguel Ángel – Cultura Genial
• Leonardo and the battle of Michelangelo’s penis

La entrada El David de Miguel Ángel en Los Simpsons se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

Magritte es uno de mis artistas favoritos y he tenido la oportunidad de visitar el museo dedicado exclusivamente a su obra en Bruselas. Así que en este artículo se combinan dos intereses personales, por lo que resulta muy especial para mí.

Antes de conocer las referencias en Los Simpsons a Magritte, aprendamos un poco sobre este artista belga.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

René Magritte

Magritte nació en Lessines, cerca de Bruselas, en 1898. Es uno de los exponentes más importanes del arte belga, que incluye a artistas del calibre de Peter Paul Rubens.

Si no sabés mucho de arte te cuento que Rubens está considerado como uno de los mejores de la historia. A pesar de tener estilos distintos, algunos creen que Magritte está a su altura.

Maestro del surrealismo

Y hablando de estilos, ¿a qué movimiento pertenecía Magritte? Fue uno de los grandes maestros del surrealismo, junto a Salvador Dalí y André Breton, entre otros. Aunque hay que destacar que Magritte tenía su propia corriente, que no tenía tanto que ver con los otros artistas de su mismo movimiento.

Los cuadros de Magritte son llamativos. Aparecen elementos en posiciones que no son comunes. Algunos de ellos agrandados y otros en lugares extraños. Las figuras que aparecen tienen rostros cubiertos o tapados, rasgos alterados o se encuentran en locaciones difíciles de comprender.

Uno de los cuadros más famosos de Magritte es La trahison des images, o La Traición de las Imágenes, en español. En esta obra el artista dibujó detalladamente una pipa y debajó escribió la frase «Ceci n’est pas une pipe» (Esto no es una pipa). Lo cual parece una contradicción, pero no lo es, porque justamente no es una pipa, sino una imagen de una pipa.

Obra críptica

Varios de los cuadros del artista parecen esconder algún significado. Eso es algo que siempre me ha apasionado de Magritte. Parece haber un código en esas figuras crípticas.

En uno de los libros de arte que tengo con su obra, en la primera página hay una frase del propio Magritte que dice «La gente está siempre buscando simbolismos en mi obra. No hay ninguno». Parece desesperanzador pero a esa frase la antecede otra: «Todo lo que vemos esconde algo más».

Obviamente me quedo con esta última.

Te podría contar más sobre Magritte, pero vamos directo a las referencias de Los Simpsons, que van a dar pie a conocer dos de sus cuadros más importantes.

El Hijo del Hombre

En el episodio La Casita del Horror IV (S05E05), Bart presenta los diferentes segmentos a través de cuadros. Esto es una referencia al porgrama Night Gallery, conducido por Rod Serling. Una especie de La Dimensión Desconocida, que duró tres temporadas a partir de 1969.

En cada presentación, detrás de Bart vemos pasar parodias a obras de reconocidos artistas como Picasso, Van Gogh y Dalí. En este artículo no me voy a detener a explicar esas referencias. Lo voy a dejar para otro especial.

Además de la obra de estos reconocidos artistas, aparece la parodia de un cuadro de René Magritte. Se trata de su obra más conocida: El Hijo del Hombre.

Este es un autoretrato que pintó en 1964 y en la que se dibujó con una manzana delante de su rostro, tapándolo parcialmente.

La figura de hombres con sombrero tipo bowler es una constante en la obra de Magritte. Se cree que representan a su padre, un vendedor que vestía trajes grises y llevaba ese tipo de sombreros. En este caso, el propio Magritte se pone en su piel.

A Magritte le pidieron un autorretrato, algo que no estaba acostumbrado a hacer. La idea no parecía cerrarle. Al artista le planteaba un dilema moral. Lo resolvió de forma simple: con una manzana tapando su rostro.

Pero hay otros detalles interesantes en esta obra. Presenta una extraña asimetría. La oreja derecha es más grande que la izquierda. ¿Y qué ocurre con el brazo derecho? Parece como si estuviera al revés y el codo sobresaliera. Además, ¿qué pasó con el botón de abajo del saco? ¿Dónde está?

Sobre la manzana hay muchas interpretaciones. ¿Es una referencia a Adán y Eva y la caída en desgracia del ser humano? Difícil saberlo.

Estos detalles que parecen mínimos tienen un sentido cuyas interpretaciones hacen que la obra de Magritte sea tan fascinante.

Lo interesante de El Hijo del Hombre es que no está en exhibición en ningún museo del mundo debido a que pertenece a una colección privada. Sin embargo, una vez cada tanto, se organiza una exposición para que la gente lo pueda ver. Al momento de escribir este artículo, el cuadro fue expuesto por última vez en 2018 en el MOMA de San Francisco.

Golconda

En el episodio Los monólogos de la reina (S15E04), Los Simpsons visitan Inglaterra. En este capítulo hay invitados como Tony Blair, Jane Leeves, Ian McKellen y J.K. Rowling. Sin embargo, el detalle que nos interesa aquí está al principio, cuando muestran Londres por primera vez.

Tenemos un doble homenaje justo antes de que aparezca el Primer Ministro Tony Blair. En la imagen vemos el típico paisaje de Londres con el Big Ben y el Támesis, pero al mismo tiempo se ven muchas Mary Poppins volando con paraguas. Algunas están cerca, otras más lejos. Algunas van, otras vienen, dando la espalda o estando de frente al espectador.

Obviamente que, por un lado, esto es un homenaje a Mary Poppins, de Disney, De hecho, escuchamos los acordes de Spoonful of Sugar. Pero nuevamente, no nos vamos a meter en este homenaje, ya que como seguramente sepas, hay un capítulo entero que se dedica a parodiar a Mary Poppins.

La pregunta es, ¿por qué aparecen muchas Mary Poppins en esas posiciones? Porque esto es una parodia al cuadro Golconda de René Magritte, pintado en 1953.

Este cuadro, al igual que El Hijo del Hombre es del periodo final considerado como la madurez de René Magritte. Presenta la figura de muchos hombres repetidos sobre un paisaje de edificios. Todos estos hombres flotan en el aire, llevan sombreros bowler y visten trajes negros o grises.

¿Son todos ellos iguales? No, cada uno tiene rasgos que lo diferencian de los demás. Uno de ellos, está basado en su amigo Louis Scutenaire quien le sugirió el nombre Golconda para su obra. Golconda era una ciudad mítica de la India, capital de dos imperios. Allí se producían los diamantes más grandes del mundo.

El patrón parece similar al de un empapelado. Esto no es casualidad. Magritte trabajó creando este tipo de patrones durante sus comienzos como diseñador gráfico.

Otras referencias menores

Encontré algunas referencias menores a la obra de Magritte, ambas a El Hijo del Hombre.

En el episodio El Sax de Lisa (S09E03), cuando llevan a Lisa a la escuela para potenciar sus habilidades, vemos de fondo durante apenas un segundo, que uno de los niños que estudia allí está emulando a Magritte con su propia versión de El Hijo del Hombre. Se ve claramente una manzana verde sobre la figura de un rostro.

En el episodio Misionero Imposible (S11E15) Homero mira la PBS (televisión pública de Estados Unidos) y allí piden donaciones y cambio ofrecen algunos ítems. Entre ellos, un CD con sonido de ambiente del MET de New York (el museo de arte moderno). En la portada del CD se ve a un hombre con sombrero bowler de espaldas al espectador, mirando un cuadro con una manzana verde. Clara referencia a la obra de Magritte.

Un artista para descubrir

Podría escribir mucho más sobre Magritte, pero me parece que con esto es suficiente. Te recomiendo que investigues su obra. Vas a descubrir cuadros alucinantes y cuando descubras sobre qué trata cada uno, y conozcas los sucesos de la vida del artista, vas a alucinar.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Fuentes y para seguir aprendiendo

• Museo Magritte: mi visita al museo que reúne la obra del maestro del surrealismo
• Magritte unveiled: A biography in 50 pictures – Eric Rinckhou – Manteau – Ed. 2017 – ISBN: 978-90-223-3468-3

La entrada René Magritte y Los Simpsons: referencias al gran artista belga se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

Esta misma estatua es referenciada en un episodio en el que McBain, el gran héroe de acción, sale desde adentro de una escultura de hielo, para luego exterminar a todos los villanos con su ametralladora.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

En este artículo nos vamos a remontar a la Grecia Antigua para conocer el origen de la Venus de Milo real. Luego, vamos a conocer sobre su descubrimiento en el siglo XIX y finalmente, sobre su influencia en el arte y en la cultura pop.

Origen de la Venus de Milo

La Venus de Milo es una antigua estatua griega del período helenístico que representa la diosa Afrodita (Venus, en la mitología romana).

Se cree que fue esculpida entre el 50 y el 125 a. C. Durante mucho tiempo se pensó que la Venus era obra de Praxiteles, pero actualmente se sabe que la esculpió Alejandro de Antioquía.

La escultura está hecha de mármol de Paros. Esto es un mármol de grano fino y de color blanco, semitraslúcido, que se extraía de la isla griega con este mismo nombre.Es el mismo material con el que están esculpidas otras grandes obras griegas, como por ejemplo la Victoria alada de Samotracia.

La Venus mide 2,04 metros de alto, lo que indica que la escala es un poco mayor a la real.

Por supuesto que la gran particularidad de esta estatua clásica es el hecho de que le faltan los brazos. Esto no fue deliberado. Los brazos se rompieron en algún momento de la historia, antes de que la estatua fuera redescubierta en el siglo XIX. Jamás fueron encontrados.

Nadie sabe exactamente qué pose tendría la Venus de Milo si tuviera sus brazos. Hay investigaciones y especulaciones pero no hay nada concreto.

Redescubrimiento de la Venus de Milo

A veces cuando nos enteramos de que una obra de arte o una estatua tiene miles de años pensamos que estuvo bien conservada en un museo o en alguna colección privada durante todo ese tiempo. Pero esto no tiene que ser necesariamente así. Más si consideramos que la admiración por el arte romano y griego se remontan al Renacimiento.

La Venus de Milo reapareció en el radar del arte recién en 1820. Se encontraba en dos piezas en una cueva en la isla de Milos, Grecia. De ahí su nombre. Poco tiempo después, el Embajador de Francia en Grecia la compró. Los franceses se la llevaron y la expusieron en el Louvre, lugar donde se encuentra hasta la actualidad.

Fueron los mismos franceses los que hicieron que esta estatua tuviera la fama que tiene hoy en día. El por qué es muy interesante.

Tras la derrota de Napoleón, Francia tuvo que devolver las obras que había saqueado de Italia. Entre ellas, la famosa Venus de Medici, esculpida también en mármol por Cleomenes.

El hallazgo de la Venus de Milo vino a tapar ese bache dejado por la Venus de Medici. A los sentidos franceses les vino bárbaro y le dieron bombo para dejar en claro que esta Venus era incluso mejor que la otra.

Y está claro que lo han logrado ya que casi todo el mundo conoce a la Venus de Milo, pero no tantos conocen a la Venus de Medici.

La influencia de la Venus de Milo

Esta Venus aparece no sólo en Los Simpsons, sino en innumerable cantidad de obras. Grandes artistas como René Magritte y Salvador Dalí se han inspirado en ella para crear nuevas y grandiosas obras de arte

El caso de Dalí es seguramente el más llamativo ya que tomó el diseño original y lo convirtió en una cajonera.

La Venus de Milo es referenciada también en el cine, como por ejemplo en la película Los Soñadores (The Dreamers, 2003), de Bernardo Bertolucci. Allí, una jovencísima Eva Green emula a la Venus de Milo usando guantes negros sobre un fondo oscuro para ocultar sus brazos, tal como se hace en el teatro negro.

Sensaciones personales

Hace un tiempo tuve la oportunidad de viajar a París y visitar el Louvre. Recuerdo que entré al museo en el primer turno. Esto significa que muchas de las salas están vacías e incluso aparentan estar desprotegidas.

El Louvre es muy grande y uno se pierda adentro. En esos primeros minutos, tras haber ingresado junto a mi novia, terminamos en una sala donde no había nadie y tras un cerquito, había una estatua.

Era la estatua de una mujer y le faltaban los brazos. Yo sabía que en algún momento del recorrido me iba a encontrar con la Venus de Milo, pero no creí que fuera tan fácil dar con ella y menos me creía que no hubiera absolutamente nadie en la sala.

La aprecié, me convencí de que era ella y le saqué una o dos fotos. Al verla noté que el color es más bien opaco, seguramente por el paso de los años. Tengo que admitir que no le vi nada de especial, en comparación con otras estatuas que estaban en esa misma sala. De hecho, vi algunas otras que me gustaron más. No obstante, había algo de mágico en esa estatua, algún tipo de conexión cultural.

Seguí mi camino por el resto del Louvre y un par de horas después, con las piernas ya bastante cansadas de caminarlo, volví a pasar por la sala de la Venus de Milo. Ahora sí, estaba atestado de gente. La estatua estaba rodeada de japoneses sacándole fotos y había muchos otros turistas a su alrededor.

Al alejarme de la sala, con la vista clavada en la estatua, sin pensarlo, susurré para mí «Preciosa Venus». En ese mismo instante comprendí cuál era la conexión con esta gran obra de arte.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Fuentes y para seguir aprendiendo

• Venus de Milo – Artículo principal Wikipedia en Inglés
• Los Soñadores – Bernardo Bertolucci (iMDB)
• Venus de Milo with Drawers

La entrada La Venus de Milo y Los Simpsons se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

En este artículo te voy a contar cuál es la referencia que hay que ya te adelanto es a una famosa fotografía que seguramente has visto en algún lado.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

Obreros almorzando en una viga de un edificio en construcción

La icónica foto se llama «Lunch atop a skycrapper» que lo podemos traducir como «Almuerzo en la cima de un rascacielos». Actualmente se cree que fue tomada por Charles C. Ebbets el 20 de septiembre de 1932 y publicada el 2 de octubre de ese mismo año en el New York Herald Tribune. Durante muchos años no se tenía claro quién había sido el fotógrafo que había dado con esta imagen tan impresionante.

La fecha coincide con los últimos meses de construcción del rascacielos 30 Rockefeller Plaza, el edificio central de este complejo de edificios comerciales que se encuentra en Manhattan, New York.

En la foto se ve a once obreros sentados sobre una viga, con las piernas sueltas y sin ningún tipo de arnés o medida de seguridad, a una altura de 260 metros. Se supone que están por almorzar y es por eso que vemos que tienen su tupper de la época, con algo de comida. Vemos también que un par disfrutan de un cigarrillo. De fondo, se llega a ver el emblemático Central Park.

Obviamente, para tomar esta foto el fotógrafo tenía que estar ubicado en una posición más alta. Se encontraba en el piso 69 del RCA Building, otro rascacielos de la ciudad.

La foto es completamente real. En esa época los trabajadores del acero aseguraban las vigas para crear la estructura necesaria para seguir construyendo. No solían tener medidas de seguridad y podían hacer equilibrio a esas impresionantes alturas, sin sufrir acrofobia.

¿Quiénes son los protagonistas de la foto? Hay muy pocos datos, pero se ha logrado identificar a algunos de los trabajadores. La mayoría de ellos se cree que eran inmigrantes. Se sabe que había un eslovaco, un español, un irlandés e incluso un nativo mohicano.

El 30 Rockefeller Plaza

Como te contaba, el edificio que los obreros de la foto estaban construyendo es el 30 Rockefeller Plaza. Este es el rascacielos más alto del complejo de 19 edificios comerciales.

Se terminó de construir al año siguiente, en 1933, llegando a los 66 pisos y 260 metros, que es más o menos la altura a la que los obreros están en la foto. Por lo tanto, es correcto decir que la foto es en la cima de un rascacielos, aunque este no estuviera terminado.

Se cree que la foto de los obreros almorzando estuvo armada para promocionar la inminente inauguración del edificio. Es decir, no estaban casualmente sentados en la viga almorzando, sino que estaban posando allí.

El estilo del edificio es moderno, combinado con art déco y es un diseño del arquitecto Raymond Hood. Actualmente, en el 30 Rockefeller Plaza hay oficinas y estudios de televisión, entre los que se encuentran los de la NBC.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Fuentes y más información

• Lunch atop a Skyscraper – Wikipedia [ENG]
• Lunch Atop A Skyscraper: The Story Behind The 1932 Photo | 100 Photos | TIME
• One Of The Most Iconic Photos In History Was Actually Staged

La entrada Los Simpsons en la viga de un rascacielos en construcción se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

Si te interesa el arte y te gustan Los Simpsons, aquí vas a encontrar un artículo imperdible. Comencemos ya mismo con las referencias.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

Primera referencia a Noctámbulos

En el episodio Nuestros años felices (Old Money, S02E17), el Abuelo Simpson se enamora de Beatrice Simmons, quien vive en el mismo asilo de ancianos que él. Comparten una romántica relación de la tercera edad hasta que lamentablemente ella fallece.

Al morir, Beatrice le deja toda su herencia a Abraham, pero este está tan triste que no le importa el dinero y decide donarlo.

En un fotograma, vemos a Abraham meditanto, sentado en una cafetería, de noche, junto a otras personas. Pero esa no es una cafetería cualquiera. El Abuelo se encuentra en el cuadro Noctámbulos, de Edward Hopper.

En la imagen aparece un hombre de espaldas, otro hombre junto a una mujer de rojo que están cerca, pero no parecen estar juntos. La otra figura es la del mozo que vestido de blanco, parece ocupado con sus tareas.

Segunda referencia a Noctámbulos

En el episodio Homero contra la prohibición (Homer vs. the Eighteenth Amendment, S08E18), llega a Springfield Elio Pez (Rex Banner, en la versión original) para detener al indómito Barón de la Cerveza.

La lucha contra el crimen no le resulta fácil a Elio Pez y en una escena lo vemos frustrado en una cafetería, compartiendo un café con Lou y Eddie. Pero nuevamente, no es cualquier cafetería. Se parece mucho a Noctámbulos, aunque en este caso, hay otras personas en la imagen. Sin embargo, el edificio, la ventana, los colores y la iluminación son iguales a las del famoso cuadro.

A continuación, vamos a ver por qué en Los Simpsons se tomaron el tiempo de hacer no uno, sino dos homenajes a esta obra de Edward Hopper.

Noctámbulos, de Edward Hopper

El nombre en inglés de este cuadro es Nighthawks y fue terminado por el artista estadounidense Edward Hopper en 1942. Se trata de una pintura al óleo de 84 cm. x 152 cm.

Actualmente, esta obra se encuentra en el Art Institute de Chicago que la compró a los pocos meses de que el artista la completara. El precio de venta fue de 3.000 dólares, lo que equivale aproximadamente a 47.000 dólares de la actualidad.

Noctámbulos está considerada como la mejor obra de Hopper y hoy en día se estima que puede valer millones de dólares, aunque no está a la venta.

La temática

A Edward Hopper no le interesaban las corrientes artísticas de la época. Ni el cubismo, ni el surrealismo. Lo suyo era el realismo, para el cual tenía un talento muy bueno. Este artista tiene varios cuadros fotorrealistas que impactan por su técnica. Sin embargo, Noctámbulos no es de los más precisos en cuanto a ese aspecto.

Como se aprecia, el cuadro presenta a una serie de figuras en una típica cafetería de ciudad de Estados Unidos, de la década del 40. Claramente, es de noche y la luz de la cafetería parece iluminar a toda la cuadra, que está a oscuras.

La amplia vidriera de la cafetería permite que quien ve la obra pueda apreciar todo lo que ocurre allí adentro. La idea de utilizar una esquina no es casualidad. Hopper solía usar estos puntos para hacer que las figuras queden adelante y, al mismo tiempo, detrás de una ventana.

Si prestamos atención, podemos ver que no se ve ninguna puerta para ingresar o salir de la cafetería. El ventanal es el único punto de conexión que separa el exterior del interior.

La mujer que aparece en la obra está basada en Josephine, la esposa y colaboradora de Edward Hopper. Resulta ambigua la relación junto al hombre que tiene al lado. Sus manos están cerca, pero no se tocan. ¿Están juntos o son completos desconocidos?

Del hombre de espaldas no sabemos nada. Su rostro permanece oculto, pero vemos que sostiene un vaso en su mano derecha.

Sensaciones

¿Qué sensaciones despierta esta obra? Si bien es subjetivo, para algunos representa la soledad y la alienación, temáticas recurrentes en la obra de Edward Hopper.

Pero si lo miramos un rato, podemos encontrar otras como paz, tranquilidad, frustración, paciencia, aburrimiento. ¿Qué otras sentís cuando ves la obra?

Hay personas que pueden asociar el cuadro a otros sentidos, como el olfato o también el oído. ¿Cómo olería esa cafetería? ¿Habría ruido de alguna máquina encendida o perpetuo silencio? ¿Estarían conversando esas personas?

Influencias

Hay quienes dicen que Noctámbulos pudo haber estado inspirado en dos relatos de Ernest Hemingway, de quien Edward Hopper era un gran admirador. Uno de ellos es The Killers (1927), del cual Jorge Luis Borges adaptó La Espera (1950). El otro relato es A Clean, Well-Lighted Place (1933).

Por otro lado, la cafetería está inspirada en los negocios que Hopper veía en su barrio Greenwich Village en Manhattan, New York.

¿Existe o existió esa cafetería? Los estudiosos y fans de la obra de Edward Hopper la han buscado por mucho tiempo. Hay locaciones probables sobre donde podría haber estado, pero no hay ninguna certeza al respecto.

Lo más probable es que el artista se haya basado vagamente en varias cafeterías de la época en general, pero en ninguna en particular.

Edward Hopper

Hopper nació en 1882 en Nyach, New York y es uno de los grandes exponentes del realismo estadounidense.

La temática de su obra es recurrente: soledad, alienación y voyeurismo.

Las ventanas son claves en la obra de Hopper. Aparecen una y otra vez separando al espectador de los personajes de la obra. El artista tenía una forma particular de pintar los vidrios para que pareciera que no existieran.

Como en Noctámbulos, otras de sus obras también transmiten esta atmósfera de soledad, tranquilidad y alienación. Entre ellos, Automat (1927) y Chop Suey (1929). Este último se vendió a un coleccionista privado en 2018. La suma que pagó esta persona fue de nada menos que 91,9 millones de dólares.

Hopper falleció en 1967 en Manhattan. Es uno de los artistas estadounidenses más reconocidos del mundo y Noctámbulos es una de las obras más famosas de Estados Unidos. Y es por eso que en Los Simpsons se tomaron el tiempo para rendirle no uno sino dos homenajes.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Fuentes y para seguir aprendiendo

• Nighthawks – Artículo principal en Wikipedia
• Hopper’s Nighthawks: Look Through The Window

La entrada El Abuelo Simpson en un cuadro de Edward Hopper se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

Te prometo que al finalizar la lectura de este artículo habrás aprendido sobre arte e historia. Y así verás que Los Simpsons son mucho más que una serie animada de televisión.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

Episodio en el podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify

Antes de continuar, te dejo el episodio del podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify sobre El Nacimiento de Venus. Podés escucharlo o seguir leyendo el artículo, aunque el episodio del podcast es más completo.

La referencia de Los Simpsons

En el episodio número 9 de la 5ta. temporada de Los Simpsons, Margo Zavala (que en realidad en inglés se llama Mindy Simmons) aparece como nueva compañera de trabajo de Homero. Este no puede evitar sentirse atraído no sólo por su belleza sino también por todo lo que tienen en común.

Al verla por primera vez, Homero tiene una extraña alucinación. Se la imagina desnuda en una ostra, con dos angelitos al lado. Uno personificado por Lenny y el otro por Carl.

Esta es una clara referencia al cuadro El Nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli. Un cuadro pintado entre 1482 y 1485, y perteneciente al periodo del Renacimiento.

Vamos a explorar un poco esta obra y todo lo que podamos desprender de ella.

Comencemos con el artista, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

El artista que luego fue conocido como Botticelli nació el 1 de marzo de 1445 en la República de Florencia, bajo el nombre de Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Alessandro fue el menor de cuatro hermanos. El mayor de los hermanos, Giovanni, tenía 25 años cuando este nació y lo terminó adoptando.

El nombre Sandro deriva de Alessandro, claro está. Sin embargo, el Botticelli no está del todo claro. Hay distintas versiones. La más difundida es que se cree que a Giovanni lo apodaban botticello (barril) y así fue como se le transfirió el apodo deformado a su hermanito: Botticelli.

A través de una serie de contactos de la familia, el joven Sandro aún adolescente ingresó al taller de Fray Filippo Lippi, en la ciudad de Prato. Allí aprendió y tomó mucho de su maestro, a tal punto que al día de hoy las primeras obras que se le atribuyen a Botticelli en realidad están en sospecha si no son en realidad de Lippi.

Después de vivir en Prato, Botticelli volvió a Florencia. Allí trabajó en el taller de Andrea del Verrocchio, maestro de Leonardo Da Vinci, que trabajaba principalmente para Lorenzo de Médici.

A pesar de que sus visiones artísticas diferían, Sandro y Leonardo se conocían y eran contemporáneos. No obstante, no podemos afirmar que fueran amigos o que tuvieran una relación cercana. Hay una historia que circula en internet que dice que abrieron un restaurante juntos. Es una fake news que nadie sabe de donde salió y que muchos siguen repitiendo.

El Quattrocento italiano

El Quatroccento es el periodo inicial del Renacimiento artístico, que abarcó principalmente los años 1400s, de ahí el nombre. Este movimiento se ubicó geográficamente en la zona de Italia y su capital artística fue Florencia, rivalizando con Milán.

Allí, gracias al mecenazgo de hombres poderosos y acaudalados como el ya mencionado Lorenzo de Médici, el arte tuvo un importante impulso.

El Renacimiento se caracterizó en dejar de lado el medievalismo y dar valor a lo clásico. El arte griego y el romano volvieron a ser los más importantes. La figura humana se erigió nuevamente como el centro de la escena.

El Quatroccento abarcó distintas disciplinas como la arquitectura, la escultura y la pintura.

En cuanto a los rasgos técnicos en pintura, especialidad de Sandro Botticelli, la principal característica es el uso de la perspectiva. Al comienzo del periodo se pintaron murales y luego, a partir de la segunda parte del siglo, los artistas comenzaron a pintar en óleos.

Entre las temáticas, aparece el retorno a los temas clásicos como la mitología griega y romana, aunque en ningún momento se deja de lado el cristianismo. 

El Nacimiento de Venus

Ahora sí me voy a meter de lleno con la obra parodiada en Los Simpsons. Veamos cómo fue concebida la obra cumbre de Sandro Botticelli.

El enigma del encargo

Con tantas obras pictóricas antiguas y de gran calidad, a veces nos perdemos un poco en cuanto a algunos asuntos que rodean las obras de arte.

Un cuadro no se pinta en un día. Al menos no este tipo de trabajos como El Nacimiento de Venus. Se trata de un proceso que al artista le lleva meses y en algunos casos, años.

Por otro lado, en esa época, los artistas podían pintar lo que quisieran y probar técnicas pero, en general, los trabajos eran encargos. Trabajos a pedido de hombres y mujeres poderosos y acaudalados.

El caso de El Nacimiento de Venus no es distinto. Sin embargo, hasta el día de hoy se desconoce quién realizó el encargo. Se cree que por el estilo de la obra pudo ser algún noble de la esfera de los Médici.

Tampoco se sabe de qué año es exactamente la obra, aunque ha sido datada entre 1482 y 1485.

Temática

Venus es el nombre que recibe la diosa del amor, la belleza y la fertilidad en la mitología romana. Corresponde con la diosa Afrodita de la mitología griega. Por supuesto que el nacimiento de Venus es un episodio que se narra en la mitología romana.

Viendo el cuadro de Botticelli uno podría llegar a pensar que Venus nació de una ostra, ya adulta y en una escena impoluta y sagrada. Pero, como es costumbre, la mitología griega nos sorprende con situaciones un tanto extravagantes.

Lo cierto es que Saturno (Crono, en la mitología griega, uno de los Titanes), hijo de Urano y Gea, castró con una guadaña a su padre y arrojó sus genitales al mar. Las partes de Urano anduvieron mucho tiempo en el mar y se fueron convirtiendo en espuma. De esa espuma nació Venus, que llegó a la orilla de la costa de Chipre empujada por el viento.

El joven alado que aparece a la izquierda de Venus está soplando. Simboliza a Céfiro, el dios del viento del oeste que empujó a Venus hasta la orilla. Sí, los antiguos griegos y romanos tenían un dios del viento por cada punto cardinal.

En los brazos de Céfiro viene abrazada una de sus esposas, Flora, diosa de las flores y los jardines. Aunque algunos creen que no se trata de ella, sino de Aura, la diosa de la brisa.

Sí, porque a Céfiro eso de la monogamía no le iba. Y la verdad, viendo que era joven, estaba bien físicamente y encima podía volar y tenía el superpoder de soplar, nadie lo puede culpar.

Lo cierto es que la escena coincide mejor con Flora, ya que se pueden ver flores alrededor de las figuras de Céfiro y su esposa.

Venus es recibida en la playa por las Horas, diosas que representaba las estaciones. Estas Horas vistieron a Venus, tal como se puede apreciar en el cuadro de Botticelli. La mujer que aparece a la derecha de la figura principal está por cubrirla con un manto.

La ostra de la cual parece surgir Venus es un símbolo de la fecundidad. Lo es también el mar regado de flores, que es, de algún modo la forma de representar cómo el mar es fecundado por el cielo.

Si te interesa la mitología griega, te recomiendo el artículo sobre el cuadro de Goya con el Sr. Burns. Allí encontrarás otra referencia a Saturno.

Influencias

Esta obra tiene dos grandes influencias. Por un lado, las obras Las Metamorfosis y Fastos, de Ovidio. Por el otro, la obra Stanze per la Giostra, de Angelo Poliziano. En estas obras se describe el nacimiento de Venus aunque no hay necesariamente una imagen puntual, es decir, un dibujo.

Otra importante influencia es el conocimiento de un supuesto cuadro que el artista griego Apeles pintó en la antigüedad. Esta supuesta obra se titulaba Venus Anadiomena y es descrita por Poliziano en una poesía.

La técnica

El cuadro está realizado al temple sobre lienzo, un estilo más asociado a la Edad Media. Esta técnica también es conocida como témpera. Para lograrla se utiliza agua como disolvente y grasa animal, glicerina, huevo, o algún otro componente orgánico como aglutinante.

La ejecución de este tipo de obras se realizaba en etapas. Primero, se pintaba con alguna base blanca el lienzo. Luego, con un estilete se hacía el boceto de la estructura que la pintura iba a tener. A continuación, se utilizaba una tinta oscura para delinear los contornos de las figuras. Más tarde venía el turno del color. Pero no se pintaba a discreción sino que se hacía en capas de colores, separadas por barniz. Finalmente, con una pintura casi transparente (llamadas veladuras) se hacían los últimos retoques.

Las dimensiones del cuadro son 278,5 cm. × 172,5 cm. y se cree que le faltan entre unos 30 ó 35 centímetros. Esta sospecha está basada en otros cuadros contemporáneos que pintó Botticelli y que se cree que formaron parte de un mismo encargo. Lo lógico sería que todos tuvieran las mismas dimensiones y al Nacimiento de Venus le falta muy poquito para coincidir con las otras obras. 

Estilo

Como se puede apreciar, no se trata de una pintura realista. La naturaleza está idealizada. El objetivo de Botticelli no fue crear un retrato realista del momento sino una visión estética.

Para lograr esto, el artista convirtió los elementos de la naturaleza en adornos y rompió con la perspectiva.

El rostro de Venus con una mirada perdida casi como un lamento no es casualidad. Evoca al recuerdo de la época clásica perdida que ya no volverá más.

Simonetta Vespucci, la musa

El rostro de Venus no es al azar. Hubo una modelo posando para Botticelli. Su nombre era Simonetta Vespucci. «La Bella Simonetta» como la conocían los artistas del Renacimiento.

Simonetta posó tanto para Botticelli como para otros pintores de la época. Entre ellos, Piero di Cosimo.

La bella Simonetta se casó a los 16 años con Marco Vespucci, pariente de quien años después se convertiría en explorador y utilizaran su nombre para bautizar al Nuevo Mundo. Sí, me estoy refiriendo a Américo Vespucio.

Al instalarse en Florencia, llamó la atención de muchos artistas, entre ellos Sandro Botticelli. Pero también de hombres poderosos como Lorenzo y Juliano de Médici. Este último la cortejó y fue su amante. Tras celebrarse un torneo, Juliano proclamó a Simonetta como la Reina de la Belleza.

Simonetta se convirtió en el símbolo de la belleza en Florencia y marcó tendencia. Sus rasgos fueron considerados sinónimo de perfección en los inicios del Renacimiento.

Lamentablemente ese status le duró poco a la pobre Simonetta. Falleció prematuramente a los 23 años, según se cree, de tuberculosis. 

El final de Botticelli

Sandro Botticelli siguió pintando y en sus últimos años su estilo se hizo más bien clásico, volviendo a lo antiguo.

No tuvo hijos y no se le conocen romances. Por este motivo, fue denunciado por sodomía, es decir, por ser homosexual, una condición que en esa época se castigaba severamente. Sin embargo, la denuncia no prosperó.

Algunos creen que Botticelli era asexuado. Tenía pánico al matrimonio y su vida era su arte.

No es alocado creer que Simonetta fue su amor platónico. Tras la muerte de ella, Botticelli siguió pintando mujeres con sus mismos rasgos. Quizás, una forma de tenerla presente y no olvidarla.

Sandro Botticelli falleció en 1510, en Florencia, a los 65 años. ¿Su última voluntad? Pidió que sus restos fueran enterrados a los pies de su musa, Simonetta Vespucci.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Para seguir aprendiendo

• Pintura del Quatroccento en Wikipedia
• Simonetta Vespucci [VIDEO]
• Sandro Botticelli 10 curiosidades [VIDEO]
• La pintura del Quatroccento. Historia del Arte. [VIDEO]

La entrada El Nacimiento de Venus, el cuadro de Botticelli en que Homero imagina a Margo se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

En este artículo te voy a contar sobre la referencia al famoso cuadro Saturno devorando a su hijo, de Francisco de Goya. Precisamente, esta aparece en la temporada 21, que a esta altura podríamos considerar «de las del medio».

Esta será una entrada larga donde partiré de la referencia de Los Simpsons, luego te contaré la historia y la obra de Goya y finalmente me detendré en el cuadro parodiado.

Apoya a Los Simpsons Explicados

¿Te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados?
Ahora puedes colaborar con este proyecto a través de donaciones a la plataforma Ko-Fi. Todo lo recaudado irá directamente a la generación de más videos, posts y episodios de podcast. Ko-Fi es una plataforma segura que acepta PayPal y tarjetas de crédito y de débito.

Apoya a Los Simpsons Explicados a través de Ko-Fi

El Sr. Burns en un cuadro de Goya

En el episodio número 17 de la temporada 21 el Sr. Burns va a la cárcel porque le encuentran una serie de pinturas famosas robadas. Smithers se hace cargo de la Planta Nuclear e instaura una política laboral flexible para con los empleados. Política que contrasta con la acostumbrada maldad del Sr. Burns.

En su primer día al frente de la Planta Nuclear, Smithers llega al despacho del Sr. Burns para asumir sus funciones. Dubitativo por el gran desafío, se plantea la posibilidad de encarar la tarea siendo un mejor jefe. Es en ese momento que mira a un costado y contempla un gran cuadro, donde se ve al Sr. Burns desnudo y comiéndose a otra persona, más pequeña.

Esta es una referencia a un famoso cuadro del pintor español Francisco de Goya. 

Además del cuadro de Goya, en este episodio se hace referencia a otras pinturas. Pero las dejaré para otra ocasión. En esta entrada me centraré en la figura de Francisco de Goya, su obra y el cuadro, que en realidad es un mural, llamado Saturno devorando a su hijo.

Como dato adicional, este episodio en inglés se tituló American History X-cellent que es una parodia de American History X, película de 1998 con Edward Norton como protagonista.

Francisco de Goya

Los orígenes

Francisco José de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos, España, el 30 de marzo de 1746. Es considerado uno de los pintores más importantes de la historia de España, junto con Diego Velázquez y Pablo Picasso.

Goya creció en el seno de una familia ni muy humilde ni demasiado acomodada. Una especie de clase media de la época.

Se cree que su familia pudo haber atravesado algunos problemas económicos durante su niñez. Esto habría obligado al niño Goya a tener que contribuir en su casa trabajando. Lo que se supone que ocasionó que tuviera que retrasar su ingreso a la Academia de Dibujo de Zaragoza, donde finalmente ingresó a los 13 años. Algo tarde para un niño de esa época.

Poco se sabe de los trabajos que hizo durante su juventud. Lo que sí se conoce es que padeció el fracaso en dos oportunidades.

Goya fue rechazado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de la capital madrileña, el lugar obligado por donde debían pasar los grandes artistas. Participó de dos concursos para ganar una beca de estudios allí y no lo consiguió.

Teniendo en cuenta el calibre de artista en el que se terminó convirtiendo, se pueden extraer interesantes conclusiones sobre el sistema educativo de esa época y extrapolarlas al actual. Pero me estaría confundiendo de sitio web si lo analizara aquí.

El viaje a Italia y su vuelta a España

Ya con 24 años Goya decidió emprender un viaje para recorrer Italia y así poder estudiar de cerca a los grandes maestros italianos. Allí estudió las obras de Guido Reni, Rubens Veronese y Rafael, entre otros.

Tras volver de Italia se estableció en Zaragoza donde comenzó una gran actividad artística pintando principalmente murales de temática religiosa. 

El talento y el estilo de Goya

Goya era un artista excepcional. Dominaba las técnicas para pintar frescos y realizar grabados. Además, a lo largo de su carrera experimentó con pintura seca, litografías y aguatintas. Fue un artista audaz e innovador.

Sus principales influencias fueron el holandés Rembrandt y sus compatriotas Diego Velázquez y Francisco Bayeu.

El caso de Bayeu es especial puesto que fue compatriota y contemporáneo de Goya. No sólo se conocieron sino que Goya fue protegido artísticamente por Bayeu y se terminó casando con su hermana, Josefa Bayeu, en 1773.

Originalmente el estilo de Goya era neoclásico pero al ir avanzando su vida se desplazó hacia el romanticismo, propio del cambio de época. También ha dado obras de otros movimientos como por ejemplo el rococó.

El movimiento neoclásico se extendió desde el siglo XVIII hasta comienzos del siglo XIX. Su principal característica es oponerse al Renacimiento, por lo que toma elementos clásicos propios de la antigua Grecia y de Roma. De ahí viene el nombre de neo (nuevo) clasicismo.

Desde el punto de vista de las artes, el enfoque es el del orden y la racionalidad. Una especie de pintura más formal, con temáticas inspiradas en historia y mitología griega o romana.

Por otro lado, el romanticismo surge a finales del siglo XVIII y está en contra de la ilustración y especialmente de la revolución industrial. Representa el reencuentro de las artes con la naturaleza.

Las pinturas del romanticismo se conectan con el mundo natural y tienen un alto grado de imaginación.

Si miramos nuevamente el cuadro de Saturno devorando a su hijo que parodian en Los Simpsons, podemos apreciar que hay una temática neoclásica, extraída de la mitología romana. Sin embargo, la pintura es profundamente oscura y no concuerda con ese periodo.

¿Cómo llegó Goya a producir una obra tan oscura?

Conozcamos el camino que Goya fue emprendiendo hacia su oscuridad.

El camino de Goya hacia la oscuridad

La sordera

A Goya le iba bien. Tras sus dos fracasos para ingresar al mundo del arte, viajó a Italia, se capacitó por su cuenta y triunfó. Comenzó a aceptar encargos y a ganar buen dinero.

Le gustaba la caza, andar en lindos carruajes y era mujeriego. Se daba la vida de un playboy a finales del siglo XVIII.

Pero todo se complicó cuando en 1793, a la edad de 46 años, contrajo una rara enfermedad que lo dejó completamente sordo. Al día de hoy se desconoce qué fue lo que lo atacó realmente.

De allí en adelante, sus pinturas comenzarían a volverse cada vez más oscuras.

Sin embargo, después de investigar sobre la vida de este gran artista español, considero que si bien la sordera fue clave, hubo también otros aspectos que lo hicieron volcarse al «lado oscuro de la pintura».

Los caprichos

La primera versión oscura de la pintura de Goya son los Caprichos. Una serie de 80 grabados que muestran de forma satírica la vida cotidiana de la sociedad española de finales del siglo XVIII. En este trabajo Goya se mofa de la alta sociedad, del clero y especialmente de la Inquisición.

Los grabados son sombríos, presentando a personajes con rostros imperfectos, arrugados y deformados.

La temática mezcla lo cotidiano con lo sobrenatural y la brujería. Existen distintas interpretaciones a cada uno de los grabados.

Las majas y la Inquisición

Durante la última década del siglo XVIII no se tiene la certeza pero se cree que por encargo del noble español Manuel Godoy, Goya pintó La maja desnuda, el retrato de una mujer desnuda (¿es la duquesea de Alba?), recostada sobre unos cojines, mirando de forma inocente e insinuante al mismo tiempo.

Tiempo después, se cree que entre 1802 y 1805, Goya pintó una nueva versión de la Maja, pero esta vez, vestida. Se terminó llamando… La maja vestida.

Hay versiones enfrentadas respecto a la relación entre estos dos cuadros. Algunos creen que estuvieron pensados de a pares, como una obra conjunta. Y otros creen que no, que uno se hizo primero y luego se agregó el otro.

Entre los que creen que las obras estuvieron pensadas desde el comienzo como una sola obra están los que dicen que fueron diseñados para estar supuerpuestos. Así los tenía Manuel Godoy en su casa y utilizaba un mecanismo que hacía desnudar a la maja, para sorpresa del espectador.

Sí, como Homero con los bolígrafos que tenían fotos de chicas que se desnudaban. 

En 1814, la Inquisición secuestró La maja desnuda por considerarla obscena y le inició un juicio a Goya. El artista pudo salvarse gracias a las influencias que tenía en la Iglesia, pero La Maja Desnuda estuvo guardada hasta principios del siglo XX.

La Guerra de Independencia Española

En las escuelas de Argentina nos enseñan que la Revolución de Mayo de 1810 se llevó adelante debido a la caída del trono en España a manos de los franceses. Sin embargo, de lo que ocurre en el Viejo Continente no nos cuentan demasiado. Sólo que Napoleón invadió España y derrocó al rey y que designó a su hermano, un tal Pepe Botella.

Y esto ocurrió realmente en 1808. Las tropas de Napoleón invadieron España y este hizo abdicar a los Borbones Carlos IV y Fernando VII en favor de su hermano mayor, José Bonaparte.

Lo que viene luego es la Guerra de Indpendencia Española que finalizó en 1814 y en la cual la invadida España, junto a Portugal e Inglaterra se enfrentaron a la amenazante Francia de Napoleón.

En resumen, entre 1808 y 1814, los franceses ocuparon España.

¿Qué hizo Goya en este contexto?

Corea del Centro

Bueno, hay dos versiones enfrentadas. Una que dice que Goya se opuso a los franceses y se volvió un gran patriota que terminó denunciando las atrocidades de los franceses en su famoso cuadro El 3 de mayo en Madrid.

La otra versión dice que Goya se afrancesó y que fue servil a los franceses. O su versión más light, que dice que Goya era demasiado liberal y que condenó los actos de guerra de los dos bandos sin comprometerse con ninguno. Ninguna de estas versiones le gusta a los españoles más patriotas.

Hay un cuadro que quizás defina la posición de Goya durante la guerra. Es el óleo sobre lienzo conocido como Alegoría de la villa de Madrid. Este cuadro presenta un óvalo principal que es sostenido por los personajes de la pintura. Originalmente este óvalo tenía pintado el rostro de José Bonaparte.

Pero cuando los tiempos cambiaron y las tropas del Duque de Wellington entraron en Madrid, Goya lo repintó y puso la palabra «Constitución». Pero a los pocos meses, los franceses volvieron y Goya lo restauró como estaba originalmente con el rostro de Bonaparte.

El cuadro se repintó tantas veces que al final Goya le dejaba esa tarea a uno de sus ayudantes. Actualmente el óvalo presenta la frase «Dos de mayo», en relación a los fusilamientos de aquel día de 1808.

Y hablando de los fusilamientos, el cuadro más importante de esta época de Goya es El 3 de mayo en Madrid. Un cuadro que muestra cómo los franceses fusilaron a los españoles la noche del 3 de mayo de 1808 tras un alzamiento por parte de los madrileños.

El cuadro plasma de forma fría los fusilamientos. Una escena sanguinaria, con un pelotón de fusilamiento puesto a poca distancia de los mártires a propósito. Este cuadro surge de la imaginación de Goya y por lo que se contó luego, puesto que él no estuvo allí ese día.

A esta obra se le suma una serie de grabados llamados Los Desastres de la Guerra, donde el artista plasma la brutalidad de la guerra.

Goya en el lado oscuro del arte

Tras su polémico o no afrancesamiento Goya se retiró de la escena pública en 1815 y en 1824 se exilió a Burdeos, ya que en España había asumido Fernando VII, un tirano y déspota que derogó la Constitución española de 1812 de corte liberal.

En Francia, se hospedó en un caserón conocido como La Quinta del Sordo, no por su sordera, sino por otro sordo célebre en la zona que la había habitado antes. Allí pasaría Goya el resto de sus días sumiéndose cada vez más en la oscuridad de sus pinturas.

Además de sufrir la censura, de tener que exiliarse, de estar envuelto en la polémica por su postura política y de quedarse sordo, Goya soportó la muerte de varios de sus hijos, muchos de ellos pequeños.

Como si fuera poco, volvió a enfermar gravemente, algunos creen que por algún problema derivado de su sordera.

Las pinturas negras

Entre 1819 y 1823 Goya, ya con más de 73 años, pinta las Pinturas negras en los muros de La Quinta del Sordo, a modo de decoración hogareña.

¿Quién no se pinta unos retorcidos y oscuros murales en las paredes de su casa en su tiempo libre?

En total, las pinturas negras son catorce obras. Y entre ellas se incluye Saturno devorando a su hijo, la pintura que es parodiada en Los Simpsons. Ya paso a explicarte sobre ella, pero la historia de Goya es demasiado fascinante como para dejarla inconclusa.

Las pinturas negras fueron pintadas con la técnica de óleo al secco. La temática aborda mitología, brujería y violencia. Las figuras, los rostros deformados y los mismos colores remiten a la soledad, la vejez y, especialmente la muerte. Muchas de las emociones que pasaban por la mente del ya anciano artista.

Goya no les dio título a ninguna de estas obras. Así que los nombres con las que las conocemos aparecieron después.

Estas obras, al ser murales, fueron rescatadas y trasladas. Quizás de lo que vemos hoy en día, queda poco del trabajo original de Goya.

El final de Goya

Francisco de Goya murió en 1828, a los 82 años en su exilio en Burdeos, Francia. Su obra quedará por siempre como una de las más importantes de la historia de España y del mundo.

Sus mejores obras están expuestas en El Museo del Prado, en Madrid. 

Saturno devorando a su hijo

Y por fin llegó el momento de hablar en exclusiva de este cuadro que Los Simpsons han parodiado.

Comencemos por entender la temática de este cuadro, que claramente hace referencia a la mitología.

De titanes y titánides

Cuando hablamos de mitología griega o romana, generalmente hacemos referencia a los dioses: Zeus, Artemis, Poseidón, Hades, Hera, Hefesto, Apolo, Ares, Hermes y Atenea. Pero no eran los únicos personajes centrales y ni hablar de ser los primeros.

Antes de los dioses existieron los titanes, que gobernaron durante la Edad de Oro. Estos titanes surgieron como hijos de los titanes primordiales Urano y Gea. Urano, representante del cielo y Gea, de la Tierra.

Estas deidades superiores tuvieron como hijos a los titanes. Como en toda mitología griega, cada uno de ellos personificaba alguna virtud, vicio o elemento de la naturaleza.

Fue así que Urano y Gea dieron lugar a los titanes (los varones) y las titánidez (las mujeres). Los titanes eran Océano, Ceo, Hiperión, Crio, Jápeto y Crono (también llamado Cronos). Las titánides: Rea, Tetis, Temis, Tea, Mnemósine y Febe.

Urano no quería que los titanes y las titánides vieran la luz, que si lo pensás, es como que te mantengan en el encierro sin poder salir de casa. Por eso todos lo odiaban. Gea, su esposa, le pidió a sus hijos que lo maten, pero ninguno aceptó. Ninguno excepto Crono.

Gea le dio a Crono una hoz y este la usó para castrar a su padre Urano y así se hizo con el trono de los dioses en el que se sostuvo durante la edad dorada.

Crono, el titán que se comía a sus hijos

Crono desposó a su  hermana titánide Rea y tuvieron hijos. Estos hijos son los dioses mitológicos que conocemos.

Pero Gea le reveló a Crono que así como él le había robado el trono a su padre, sus hijos también se lo robarían a él.

Así que Crono la hizo muy fácil. Cada vez que nacía uno de sus hijos, este se lo comía. De esa forma preservaba su poder.

Sin embargo, al nacer su último hijo, Zeus, Rea decidió ocultarlo y le dio a Crono una piedra para que se coma. Como Crono confiaba en su esposa ni se dio cuenta. Como todos sabemos, no hay tanta diferencia entre un bebé y una piedra.

Con la ayuda de una poción venenosa, Zeus ya adulto, volvió para enfrentar a su padre Crono y le hizo vomitar a todos sus hermanos.

De esta forma, Zeus quedó como el nuevo dios máximo del Olimpo, con la compañía de sus hermanos dioses. Y como si fuera poco, logró ser interpretado por Laurence Olivier y Liam Neeson en la pantalla grande, y no cualquier otro actor de segunda.

¿Y qué hay de Saturno?

El cuadro de Goya se llama Saturno devorando a su hijo. ¿Por qué Saturno y no Crono?

Porque el cuadro se refiere al dios Saturno de la mitología romana, pero que equivale a Crono en la mitología griega. Los romanos tomaron gran parte de la mitología griega y cambiaron algunos nombres y significados.

Para los griegos, Crono era un dios cruel, pero los romanos adoptaron un concepto más positivo de Saturno, aunque la historia es la misma.

Una temática repetida en la historia del arte

El cuadro de Goya no es el único que ha representado esta escena mitológica. Otros grandes artistas lo hicieron antes.

Aquí vemos, por ejemplo, el caso de Peter Paul Rubens, pintor alemán que vivió de 1577 a 1640.

Otro caso es el del pintor italiano Daniele Crespi.

La artista italiana Giulia Lama también pintó su versión, en 1735.

Saturno devorando a su hijo, de Goya

Como comenté antes, Goya no le puso ningún nombre a sus Pinturas negras. El nombre Saturno devorando a su hijo fue puesto posteriormente por Antonio de Brugada, amigo de Goya que realizó el primer inventario de estas últimas obras del gran artista español.

Como toda obra de arte, más allá de la temática que se aprecia a simple vista, que en este caso es el de la mitología, siempre hay algo más para interpretar.

Cada persona lo puede entender de forma distinta. Pero hay cierto consenso en que este cuadro simboliza el tiempo avanzando de forma implacable devorando cada segundo. 

No hace falta ser un experto en arte para ver que la obra de Goya es mucho más violenta y cruda en comparación con los otros artistas que pintaron esta misma escena hasta 200 años antes.

Goya rompe con esa escena clásica con luces. Sitúa a la figura en medio de la negrura absoluta. El cuerpo del niño devorado y decapitado, con la sangre desgarrada es casi lo único que brilla en el cuadro.

Una escena espeluznante.

A modo de cierre

Hasta aquí he llegado con este artículo que se ha hecho mucho más largo de lo que pensaba. Pero ha valido la pena porque he aprendido sobre arte y mitología al escribirlo.

Como ves, un simple frame de Los Simpsons puede dar lugar a todo esto. Te he contado sobre Goya, sobre la Guerra de Independencia de España, y también sobre mitología griega y romana.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

Suscribite al newsletter de Los Simpsons Explicados y recibí las novedades en tu correo electrónico. Y no te pierdas los videos cortos de Los Simpsons Explicados en TikTok, Instagram y YouTube.

No dejes de seguir al podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify.

Si te gustaría ver más contenido de Los Simpsons Explicados, colabora con una donación en la plataforma Ko-Fi.

Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Referencias y más información

• Francisco de Goya en Wikipedia
• Goya – Genios de la pintura [Video] 
• Goya y las pinturas negras | La Gata Verde [Video]
• Goya | Saturno Devorando 1 hijo | Análisis | La Gata Verde [Video]
• Las pinturas negras de Goya (Documental 1959) [Video]
• ¿Por qué se quedó sordo Goya?
• ¿Quién era La Maja Desnuda?
• La terrible historia del titán cronos | Draw my life [Video]
• Mitología a través del arte: Saturno devorando a sus hijos

La entrada Saturno devorando a su hijo, el cuadro de Goya con el Sr. Burns se publicó primero en Los Simpsons Explicados.