Saturno devorando a su hijo, el cuadro de Goya con el Sr. Burns

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Como fan de Los Simpsons adoro las primeras temporadas y siento indiferencia por las últimas. En el medio, hay de todo. Episodios buenos, episodios malos y algunas referencias interesantes.

En este artículo te voy a contar sobre la referencia al famoso cuadro Saturno devorando a su hijo, de Francisco de Goya. Precisamente, esta aparece en la temporada 21, que a esta altura podríamos considerar “de las del medio”.

Esta será una entrada larga donde partiré de la referencia de Los Simpsons, luego te contaré la historia y la obra de Goya y finalmente me detendré en el cuadro parodiado.

El Sr. Burns en un cuadro de Goya

En el episodio número 17 de la temporada 21 el Sr. Burns va a la cárcel porque le encuentran una serie de pinturas famosas robadas. Smithers se hace cargo de la Planta Nuclear e instaura una política laboral flexible para con los empleados. Política que contrasta con la acostumbrada maldad del Sr. Burns.

En su primer día al frente de la Planta Nuclear, Smithers llega al despacho del Sr. Burns para asumir sus funciones. Dubitativo por el gran desafío, se plantea la posibilidad de encarar la tarea siendo un mejor jefe. Es en ese momento que mira a un costado y contempla un gran cuadro, donde se ve al Sr. Burns desnudo y comiéndose a otra persona, más pequeña.

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“Esa fue una alocada fiesta” es lo único que Smithers atina a decir al contemplar el cuadro.

Esta es una referencia a un famoso cuadro del pintor español Francisco de Goya

Además del cuadro de Goya, en este episodio se hace referencia a otras pinturas. Pero las dejaré para otra ocasión. En esta entrada me centraré en la figura de Francisco de Goya, su obra y el cuadro, que en realidad es un mural, llamado Saturno devorando a su hijo.

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Detalle de Saturno devorando a su hijo, de Francisco de Goya. Obra expuesta actualmente en el Museo del Prado, de Madrid.

Como dato adicional, este episodio en inglés se tituló American History X-cellent que es una parodia de American History X, película de 1998 con Edward Norton como protagonista.

Francisco de Goya

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Autorretrato de Goya de 1815

Los orígenes

Francisco José de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos, España, el 30 de marzo de 1746. Es considerado uno de los pintores más importantes de la historia de España, junto con Diego Velázquez y Pablo Picasso.

Goya creció en el seno de una familia ni muy humilde ni demasiado acomodada. Una especie de clase media de la época.

Se cree que su familia pudo haber atravesado algunos problemas económicos durante su niñez. Esto habría obligado al niño Goya a tener que contribuir en su casa trabajando. Lo que se supone que ocasionó que tuviera que retrasar su ingreso a la Academia de Dibujo de Zaragoza, donde finalmente ingresó a los 13 años. Algo tarde para un niño de esa época.

Poco se sabe de los trabajos que hizo durante su juventud. Lo que sí se conoce es que padeció el fracaso en dos oportunidades.

Goya fue rechazado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de la capital madrileña, el lugar obligado por donde debían pasar los grandes artistas. Participó de dos concursos para ganar una beca de estudios allí y no lo consiguió.

Teniendo en cuenta el calibre de artista en el que se terminó convirtiendo, se pueden extraer interesantes conclusiones sobre el sistema educativo de esa época y extrapolarlas al actual. Pero me estaría confundiendo de sitio web si lo analizara aquí.

El viaje a Italia y su vuelta a España

Ya con 24 años Goya decidió emprender un viaje para recorrer Italia y así poder estudiar de cerca a los grandes maestros italianos. Allí estudió las obras de Guido Reni, Rubens Veronese y Rafael, entre otros.

Tras volver de Italia se estableció en Zaragoza donde comenzó una gran actividad artística pintando principalmente murales de temática religiosa. 

El talento y el estilo de Goya

Goya era un artista excepcional. Dominaba las técnicas para pintar frescos y realizar grabados. Además, a lo largo de su carrera experimentó con pintura seca, litografías y aguatintas. Fue un artista audaz e innovador.

Sus principales influencias fueron el holandés Rembrandt y sus compatriotas Diego Velázquez y Francisco Bayeu.

El caso de Bayeu es especial puesto que fue compatriota y contemporáneo de Goya. No sólo se conocieron sino que Goya fue protegido artísticamente por Bayeu y se terminó casando con su hermana, Josefa Bayeu, en 1773.

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Francisco Bayeu. Retrato pintado por Goya en 1795.

Originalmente el estilo de Goya era neoclásico pero al ir avanzando su vida se desplazó hacia el romanticismo, propio del cambio de época. También ha dado obras de otros movimientos como por ejemplo el rococó.

El movimiento neoclásico se extendió desde el siglo XVIII hasta comienzos del siglo XIX. Su principal característica es oponerse al Renacimiento, por lo que toma elementos clásicos propios de la antigua Grecia y de Roma. De ahí viene el nombre de neo (nuevo) clasicismo.

Desde el punto de vista de las artes, el enfoque es el del orden y la racionalidad. Una especie de pintura más formal, con temáticas inspiradas en historia y mitología griega o romana.

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La Familia de Carlos IV, óleo sobre lienzo. Cuadro de estilo neoclásico pintado por Goya en 1800, a pedido del Rey. Hay quienes creen que Goya se mofó del Rey, al convertir a la Reina en el centro de la escena. Detrás, el propio Goya se retrató pintando el cuadro, al mejor estilo Velázquez en Las Meninas.

Por otro lado, el romanticismo surge a finales del siglo XVIII y está en contra de la ilustración y especialmente de la revolución industrial. Representa el reencuentro de las artes con la naturaleza.

Las pinturas del romanticismo se conectan con el mundo natural y tienen un alto grado de imaginación.

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El aquelarre, óleo sobre lienzo a partir de un fresco. Pintado entre 1797 y 1798 por Francisco de Goya. Cuadro del romanticismo con una escena sobrenatural.

Si miramos nuevamente el cuadro de Saturno devorando a su hijo que parodian en Los Simpsons, podemos apreciar que hay una temática neoclásica, extraída de la mitología romana. Sin embargo, la pintura es profundamente oscura y no concuerda con ese periodo.

¿Cómo llegó Goya a producir una obra tan oscura?

Conozcamos el camino que Goya fue emprendiendo hacia su oscuridad.

El camino de Goya hacia la oscuridad

La sordera

A Goya le iba bien. Tras sus dos fracasos para ingresar al mundo del arte, viajó a Italia, se capacitó por su cuenta y triunfó. Comenzó a aceptar encargos y a ganar buen dinero.

Le gustaba la caza, andar en lindos carruajes y era mujeriego. Se daba la vida de un playboy a finales del siglo XVIII.

Pero todo se complicó cuando en 1793, a la edad de 46 años, contrajo una rara enfermedad que lo dejó completamente sordo. Al día de hoy se desconoce qué fue lo que lo atacó realmente.

De allí en adelante, sus pinturas comenzarían a volverse cada vez más oscuras.

Sin embargo, después de investigar sobre la vida de este gran artista español, considero que si bien la sordera fue clave, hubo también otros aspectos que lo hicieron volcarse al “lado oscuro de la pintura”.

Los caprichos

La primera versión oscura de la pintura de Goya son los Caprichos. Una serie de 80 grabados que muestran de forma satírica la vida cotidiana de la sociedad española de finales del siglo XVIII. En este trabajo Goya se mofa de la alta sociedad, del clero y especialmente de la Inquisición.

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El grabado número 43, llamado “El Sueño de la razón produce monstruos” 

Los grabados son sombríos, presentando a personajes con rostros imperfectos, arrugados y deformados.

La temática mezcla lo cotidiano con lo sobrenatural y la brujería. Existen distintas interpretaciones a cada uno de los grabados.

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“Se quebró el cántaro”, grabado número 25.

Las majas y la Inquisición

Durante la última década del siglo XVIII no se tiene la certeza pero se cree que por encargo del noble español Manuel Godoy, Goya pintó La maja desnuda, el retrato de una mujer desnuda (¿es la duquesea de Alba?), recostada sobre unos cojines, mirando de forma inocente e insinuante al mismo tiempo.

La maja desnuda, óleo sobre lienzo, de Francisco Goya 

Tiempo después, se cree que entre 1802 y 1805, Goya pintó una nueva versión de la Maja, pero esta vez, vestida. Se terminó llamando… La maja vestida.

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La maja vestida, óleo sobre lienzo, de Francisco Goya

Hay versiones enfrentadas respecto a la relación entre estos dos cuadros. Algunos creen que estuvieron pensados de a pares, como una obra conjunta. Y otros creen que no, que uno se hizo primero y luego se agregó el otro.

Entre los que creen que las obras estuvieron pensadas desde el comienzo como una sola obra están los que dicen que fueron diseñados para estar supuerpuestos. Así los tenía Manuel Godoy en su casa y utilizaba un mecanismo que hacía desnudar a la maja, para sorpresa del espectador.

Sí, como Homero con los bolígrafos que tenían fotos de chicas que se desnudaban. 

homero bolígrados desnudistas

En 1814, la Inquisición secuestró La maja desnuda por considerarla obscena y le inició un juicio a Goya. El artista pudo salvarse gracias a las influencias que tenía en la Iglesia, pero La Maja Desnuda estuvo guardada hasta principios del siglo XX.

La Guerra de Independencia Española

En las escuelas de Argentina nos enseñan que la Revolución de Mayo de 1810 se llevó adelante debido a la caída del trono en España a manos de los franceses. Sin embargo, de lo que ocurre en el Viejo Continente no nos cuentan demasiado. Sólo que Napoleón invadió España y derrocó al rey y que designó a su hermano, un tal Pepe Botella.

Y esto ocurrió realmente en 1808. Las tropas de Napoleón invadieron España y este hizo abdicar a los Borbones Carlos IV y Fernando VII en favor de su hermano mayor, José Bonaparte.

Lo que viene luego es la Guerra de Indpendencia Española que finalizó en 1814 y en la cual la invadida España, junto a Portugal e Inglaterra se enfrentaron a la amenazante Francia de Napoleón.

En resumen, entre 1808 y 1814, los franceses ocuparon España.

¿Qué hizo Goya en este contexto?

Corea del Centro

Bueno, hay dos versiones enfrentadas. Una que dice que Goya se opuso a los franceses y se volvió un gran patriota que terminó denunciando las atrocidades de los franceses en su famoso cuadro El 3 de mayo en Madrid.

La otra versión dice que Goya se afrancesó y que fue servil a los franceses. O su versión más light, que dice que Goya era demasiado liberal y que condenó los actos de guerra de los dos bandos sin comprometerse con ninguno. Ninguna de estas versiones le gusta a los españoles más patriotas.

Hay un cuadro que quizás defina la posición de Goya durante la guerra. Es el óleo sobre lienzo conocido como Alegoría de la villa de Madrid. Este cuadro presenta un óvalo principal que es sostenido por los personajes de la pintura. Originalmente este óvalo tenía pintado el rostro de José Bonaparte.

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Alegoría de la Villa de Madrid, óleo sobre lienzo de 1809, de Francisco de Goya. Así es como finalmente quedó el cuadro tras ser repintado en distintas ocasiones.

Pero cuando los tiempos cambiaron y las tropas del Duque de Wellington entraron en Madrid, Goya lo repintó y puso la palabra “Constitución”. Pero a los pocos meses, los franceses volvieron y Goya lo restauró como estaba originalmente con el rostro de Bonaparte.

El cuadro se repintó tantas veces que al final Goya le dejaba esa tarea a uno de sus ayudantes. Actualmente el óvalo presenta la frase “Dos de mayo”, en relación a los fusilamientos de aquel día de 1808.

Y hablando de los fusilamientos, el cuadro más importante de esta época de Goya es El 3 de mayo en Madrid. Un cuadro que muestra cómo los franceses fusilaron a los españoles la noche del 3 de mayo de 1808 tras un alzamiento por parte de los madrileños.

El cuadro plasma de forma fría los fusilamientos. Una escena sanguinaria, con un pelotón de fusilamiento puesto a poca distancia de los mártires a propósito. Este cuadro surge de la imaginación de Goya y por lo que se contó luego, puesto que él no estuvo allí ese día.

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“El 3 de Mayo en Madrid”, pintura al aceite, de Francisco Goya.

A esta obra se le suma una serie de grabados llamados Los Desastres de la Guerra, donde el artista plasma la brutalidad de la guerra.

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“¿Qué hay que hacer más?” uno de los grabados de Los Desastres de la Guerra

Goya en el lado oscuro del arte

Tras su polémico o no afrancesamiento Goya se retiró de la escena pública en 1815 y en 1824 se exilió a Burdeos, ya que en España había asumido Fernando VII, un tirano y déspota que derogó la Constitución española de 1812 de corte liberal.

En Francia, se hospedó en un caserón conocido como La Quinta del Sordo, no por su sordera, sino por otro sordo célebre en la zona que la había habitado antes. Allí pasaría Goya el resto de sus días sumiéndose cada vez más en la oscuridad de sus pinturas.

Además de sufrir la censura, de tener que exiliarse, de estar envuelto en la polémica por su postura política y de quedarse sordo, Goya soportó la muerte de varios de sus hijos, muchos de ellos pequeños.

Como si fuera poco, volvió a enfermar gravemente, algunos creen que por algún problema derivado de su sordera.

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Goya atendido por el doctor Arrieta (1820), óleo sobre lienzo. Un autoretrato de Goya durante su enfermedad.

Las pinturas negras

Entre 1819 y 1823 Goya, ya con más de 73 años, pinta las Pinturas negras en los muros de La Quinta del Sordo, a modo de decoración hogareña.

¿Quién no se pinta unos retorcidos y oscuros murales en las paredes de su casa en su tiempo libre?

En total, las pinturas negras son catorce obras. Y entre ellas se incluye Saturno devorando a su hijo, la pintura que es parodiada en Los Simpsons. Ya paso a explicarte sobre ella, pero la historia de Goya es demasiado fascinante como para dejarla inconclusa.

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Dos viejos comiendo sopa, óleo sobre muro, posteriormente pasado a lienzo.

Las pinturas negras fueron pintadas con la técnica de óleo al secco. La temática aborda mitología, brujería y violencia. Las figuras, los rostros deformados y los mismos colores remiten a la soledad, la vejez y, especialmente la muerte. Muchas de las emociones que pasaban por la mente del ya anciano artista.

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El Aquellarre (1823) también conocido como El gran Cabrón. Óleo sobre revoco, posteriormente trasladado a lienzo.

Goya no les dio título a ninguna de estas obras. Así que los nombres con las que las conocemos aparecieron después.

Estas obras, al ser murales, fueron rescatadas y trasladas. Quizás de lo que vemos hoy en día, queda poco del trabajo original de Goya.

El final de Goya

Francisco de Goya murió en 1828, a los 82 años en su exilio en Burdeos, Francia. Su obra quedará por siempre como una de las más importantes de la historia de España y del mundo.

Sus mejores obras están expuestas en El Museo del Prado, en Madrid. 

Saturno devorando a su hijo

Y por fin llegó el momento de hablar en exclusiva de este cuadro que Los Simpsons han parodiado.

Comencemos por entender la temática de este cuadro, que claramente hace referencia a la mitología.

De titanes y titánides

la caida de los gigantes francisco bayeu
La Caída de los Gigantes, óleo sobre lienzo, de Francisco Bayeu. Cuadro pintado en 1764.

Cuando hablamos de mitología griega o romana, generalmente hacemos referencia a los dioses: Zeus, Artemis, Poseidón, Hades, Hera, Hefesto, Apolo, Ares, Hermes y Atenea. Pero no eran los únicos personajes centrales y ni hablar de ser los primeros.

Antes de los dioses existieron los titanes, que gobernaron durante la Edad de Oro. Estos titanes surgieron como hijos de los titanes primordiales Urano y Gea. Urano, representante del cielo y Gea, de la Tierra.

Estas deidades superiores tuvieron como hijos a los titanes. Como en toda mitología griega, cada uno de ellos personificaba alguna virtud, vicio o elemento de la naturaleza.

Fue así que Urano y Gea dieron lugar a los titanes (los varones) y las titánidez (las mujeres). Los titanes eran Océano, Ceo, Hiperión, Crio, Jápeto y Crono (también llamado Cronos). Las titánides: Rea, Tetis, Temis, Tea, Mnemósine y Febe.

Urano no quería que los titanes y las titánides vieran la luz, que si lo pensás, es como que te mantengan en el encierro sin poder salir de casa. Por eso todos lo odiaban. Gea, su esposa, le pidió a sus hijos que lo maten, pero ninguno aceptó. Ninguno excepto Crono.

Gea le dio a Crono una hoz y este la usó para castrar a su padre Urano y así se hizo con el trono de los dioses en el que se sostuvo durante la edad dorada.

Crono, el titán que se comía a sus hijos

Crono desposó a su  hermana titánide Rea y tuvieron hijos. Estos hijos son los dioses mitológicos que conocemos.

Pero Gea le reveló a Crono que así como él le había robado el trono a su padre, sus hijos también se lo robarían a él.

Así que Crono la hizo muy fácil. Cada vez que nacía uno de sus hijos, este se lo comía. De esa forma preservaba su poder.

Sin embargo, al nacer su último hijo, Zeus, Rea decidió ocultarlo y le dio a Crono una piedra para que se coma. Como Crono confiaba en su esposa ni se dio cuenta. Como todos sabemos, no hay tanta diferencia entre un bebé y una piedra.

Con la ayuda de una poción venenosa, Zeus ya adulto, volvió para enfrentar a su padre Crono y le hizo vomitar a todos sus hermanos.

De esta forma, Zeus quedó como el nuevo dios máximo del Olimpo, con la compañía de sus hermanos dioses. Y como si fuera poco, logró ser interpretado por Laurence Olivier y Liam Neeson en la pantalla grande, y no cualquier otro actor de segunda.

Lawrence Olivier interpreta a Zeus en Clash of the Titans (1981)
liam neeson zeus
Liam Neeson interpreta a Zeus en Clash of the Titans (2010) y en Wrath of the Titans (2012)

¿Y qué hay de Saturno?

El cuadro de Goya se llama Saturno devorando a su hijo. ¿Por qué Saturno y no Crono?

Porque el cuadro se refiere al dios Saturno de la mitología romana, pero que equivale a Crono en la mitología griega. Los romanos tomaron gran parte de la mitología griega y cambiaron algunos nombres y significados.

Para los griegos, Crono era un dios cruel, pero los romanos adoptaron un concepto más positivo de Saturno, aunque la historia es la misma.

Una temática repetida en la historia del arte

El cuadro de Goya no es el único que ha representado esta escena mitológica. Otros grandes artistas lo hicieron antes.

Aquí vemos, por ejemplo, el caso de Peter Paul Rubens, pintor alemán que vivió de 1577 a 1640.

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Detalle del cuadro “Saturno”, pintura al óleo, de Peter Paul Rubens. Este cuadro fue pintado en 1636, más de 180 años antes que Goya.

Otro caso es el del pintor italiano Daniele Crespi.

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Detalla del cuadro “Saturno devorando a su hijo”, de Daniele Crespi. Cuadro pintado en 1619.

La artista italiana Giulia Lama también pintó su versión, en 1735.

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Saturno devorando a su hijo, de Giulia Lama

Saturno devorando a su hijo, de Goya

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Obra completa de Saturno devorando a su hijo, de Francisco de Goya. Una obra que forma parte de sus Pinturas Negras. Originalmente fueron murales que se trasladaron a lienzos.

Como comenté antes, Goya no le puso ningún nombre a sus Pinturas negras. El nombre Saturno devorando a su hijo fue puesto posteriormente por Antonio de Brugada, amigo de Goya que realizó el primer inventario de estas últimas obras del gran artista español.

Como toda obra de arte, más allá de la temática que se aprecia a simple vista, que en este caso es el de la mitología, siempre hay algo más para interpretar.

Cada persona lo puede entender de forma distinta. Pero hay cierto consenso en que este cuadro simboliza el tiempo avanzando de forma implacable devorando cada segundo

No hace falta ser un experto en arte para ver que la obra de Goya es mucho más violenta y cruda en comparación con los otros artistas que pintaron esta misma escena hasta 200 años antes.

Goya rompe con esa escena clásica con luces. Sitúa a la figura en medio de la negrura absoluta. El cuerpo del niño devorado y decapitado, con la sangre desgarrada es casi lo único que brilla en el cuadro.

Una escena espeluznante.

A modo de cierre

Hasta aquí he llegado con este artículo que se ha hecho mucho más largo de lo que pensaba. Pero ha valido la pena porque he aprendido sobre arte y mitología al escribirlo.

Como ves, un simple frame de Los Simpsons puede dar lugar a todo esto. Te he contado sobre Goya, sobre la Guerra de Independencia de España, y también sobre mitología griega y romana.

Se puede aprender de todo y Los Simpsons son una base de referencias maravillosas para quien quiere hacerlo.

Si te ha gustado este artículo, por favor compártelo en las redes sociales. Me ha llevado varias horas de investigación y otras tantas para escribirlo y revisarlo.

En próximas entradas te seguiré explicando aquellas referencias de Los Simpsons que no entendiste.

¡Hasta entonces!

Referencias y más información

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