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El David de Miguel Ángel en Los Simpsons

Alejandro De Luca — Tue, 22 Feb 2022 10:21:12 +0000

En este post te quiero contar sobre el David de Miguel Ángel, una estatua renacentista que está considerada como una de las obras de arte más importantes de la historia de la humanidad.

Primero vamos a repasar la principal referencia a esta escultura en Los Simpsons y después te voy a contar su historia, que, ya te digo, es muy interesante.

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La referencia

En el episodio Tomy, Daly y Marge (S02E22), Marge se ensaña contra los dibujos animados de Tomy y Daly a causa de la violencia que generan. Con su activismo, logra cambiar a estos personajes recibiendo el apoyo de la sociedad conservadora de Springfield.

Cuando era chico y miraba este episodio no me daba cuenta, pero ahora, viéndolo a la distancia, este episodio es claramente una protesta contra la censura y una celebración de la libertad de expresión artística. Y esto tiene mucho que ver con la aparición del David de Miguel Ángel al final del episodio.

Springfield tiene la suerte de recibir esta obra de arte del maestro Miguel Ángel Buonarroti, pero la conservaduría de la ciudad, encarnados en los personajes de Mod Flanders y Helen Alegría, se opone a que se exhiba porque muestra un desnudo frontal.

Marge piensa distinto. Cree que es estúpido censurar una obra de arte, lo cual nos deja pensando a todos cuál es el límite de la libertad de expresión. Bueno, pues… ¡No hay límite para el arte en todas sus formas!

Pero bueno, ahora sí. Aprendamos con Los Simpsons. Conozcamos la historia del David de Miguel Ángel.

El David de Miguel Ángel

La nueva República de Florencia

Era una nueva época para Florencia, centro del Renacimiento europeo. Los Médici habían gobernado durante años, destacándose Lorenzo el Magnífico, mecenas de Leonardo Da Vinci y otros tantos artistas.

Sin embargo, en 1492 la ciudad fue entregada en bandeja al Rey de Francia, en su travesía hacia Nápoles. El pueblo florentino se indignó con el entonces señor de los Médici, Piero II.

Ese fue el momento para que el monje Savonarola tomara el control de la ciudad y la convirtiera en una teocracia. Pero no le duró mucho ya que estaba enfrentado con el Papa Alejandro VI, es decir Rodrigo Borgia. Y con esa gente había que tener cuidado.

Para resumir un poco lo acontecido, Savonarola acusó al Papa de un montón de pecados. El Papa, desde Roma, lo excomulgó y Florencia se le volvió en contra al monje. Terminó quemado en la hoguera en la Piazza della Signoria. Ya volveré con esta plaza más adelante.

Mientras ocurría todo esto, Florencia intentaba recuperar su autoridad como ciudad estado pero tenía serios problemas para mantener el orden en Pisa, ciudad dentro de su esfera de influencia. Allí se había dado una fuerte insurrección que le causaría derrotas militares a los florentinos.

El panorama tenía que cambiar. Era el momento de la Segunda República de Florencia, un nuevo orden superador al modelo de señoría de los Médici. El gobierno se reorganizó y se dieron algunos eventos externos como la caída de los Borgia, lo cual le dieron algo de estabilidad, luego de varios años de imprevisibilidad.

Finalmente, en 1502, Piero Soderini fue elegido Confaloniero de la república, algo así como el presidente. ¿Quién estaba a su lado como asesor? Niccolò Machiavelli, cuya hábil mente manejaba los hilos del Estado y la política florentina.

El encargo

Ahora que tenemos el contexto histórico, en 1501 Florencia estaba reorganizándose y era el momento de dar vuelta la página y retomar proyectos artísticos de gran envergadura.

Entre las diferentes organizaciones que tenía la ciudad, se encontrama La Opera del Duomo, que se dedicaba a conservar y mantener los bienes de lugares importantes, incluyendo iglesias, a pesar de que la institución era laica.

La Opera del Duomo pretendía producir 12 estatuas gigantes de personajes del Antiguo Testamento para colocar en la histórica iglesia de Santa María del Fiore. Ya había dos de estas esculturas hechas. Una que había esculpido Donatello y otra de Agostino di Duccio, su aprendiz.

Pero esta historia viene de antes. En 1464, le encargaron justamente a di Duccio que hiciera un David, la figura bíblica que derrotó al gigante Goliat.

Desde Carrara, Toscana, llegó un pedazo de mármol obtenido de la cantera de Fantiscritti. Este bloque tenía una altura de 5 metros y medio. Era perfecto para el David de di Duccio, sin embargo, el proyecto quedó casi sin empezar.

Varios artistas intentaron esculpir el bloque pero no tuvieron éxito. Algunos incluso lo dañaron. Así fue como pasó el tiempo. El proyecto estuvo 25 años parado mientras la Opera del Duomo buscaba algún artista capaz de retomarlo, teniendo en cuenta que el bloque de mármol ya no era virgen.

El tiempo había llegado. Era una nueva época en Florencia y había un aritista florentino que la rompía en Roma: Miguel Ángel Buonarroti.

El artista ya se había consagrado esculpiendo La Piedad en Roma. Él era de Florencia pero todavía no había hecho ninguna obra importante para su ciudad. El David iba a ser esa obra. Por eso presionó para obtener el encargo y finalmente se lo dieron.

La creación de una obra maestra

La técnica

Miguel Ángel comenzó a trabajar en la obra un mes después de obtener el encargo. Tenía 26 años y esculpir el David le iba a llevar más de 2 años de su vida.

El bloque de mármol heredado estaba dañado y eso limitó las posibilidades de Miguel Ángel. El artista florentino primero creó bocetos a escalas más pequeñas. Los hizo en cera, para definir la postura en la que iba a estar su David.

Por esa época, los escultores pasaban de los bocetos al yeso, haciendo un modelo a escala real en este material. Sin embargo, Miguel Ángel se saltó el yeso y pasó directamente al mármol, usando para ello, un cincel y un martillo.

Vi al ángel en el mármol y tallé hasta que lo dejé en libertad.
Miguel Ángel Buonarroti

El artista decidió poner a David en un leve contrapposto. Esta es una postura que usaban los griegos y que era muy popular en el Renacimiento. Consiste en dotar de asimetría la ubicación de los hombros y las caderas, para dar una sensación de naturalidad.

De esta forma, la figura descansa su peso en una pierna, mientras que la otra queda más relajada. Esa es la forma en que los seres humanos nos paramos y es por eso que este tipo de esculturas resultan tan naturales y contrastan tanto con aquellas donde las figuras están firmes y hechas para ser miradas únicamente de frente, como es el caso de las egipcias.

Y vinculado a esto, Miguel Ángel hizo a su David para que sea admirado desde cualquier ángulo en que se lo mire.

El contrapposto del David de Miguel Ángel está considerado como el gran modelo a seguir.

Las proporciones

Al mirar al David terminado, tal vez pienses que es perfecto, pero si le prestás un poco de atención te vas a dar cuenta que varias partes de su cuerpo están desproporcionadas. En mi opinión, esto se nota mucho más con las manos. Son enormes. Pero también lo son su cabeza y torso.

¿Se equivocó Miguel Ángel? No, claro que no. Lo que no está del todo claro es por qué lo hizo.

Algunos creen que decidió mantener esta desproporción, debido a que la estatua iba a ser colocada en la iglesia de de Santa María del Fiore y debía poder ser apreciada desde lejos. Por eso era necesario destacar algunas partes del cuerpo de David.

Otros creen que esto es en realidad una característica propia del manierismo de la época, es decir, la sobre representación de los elementos de una obra para dar énfasis a algunos conceptos. En este caso, dotar a la cabeza y las manos de una mayor proporción para destacar lo importante que son la mente (cabeza) y la ejecución (las manos) en una batalla.

La temática

David venció al gigante Goliat con una honda y luego lo decapitó. La pregunta que muchos se hacen al ver esta obra es, ¿dónde está Goliat?

La temática ya había sido abordada por otros artistas. Por ejemplo, Donatello, quien había incluido la cabeza de Goliat a los pies de su David.

Pero Miguel Ángel prefirió centrarse sólo en David. Lo que también se discute es qué momento exacto está atravesando la figura. ¿Es antes del enfrentamiento, durante o después? Todo indica que es el momento previo al ataque. La tensión en la mirada de David parece mostrar su determinación y concentración.

Un aspecto religioso

David era judío. De hecho, se terminó convirtiendo en el rey de los judíos. La pregunta que cualquiera que preste un poco de atención podría hacerse es… ¿por qué David no está circuncidado? Desde el punto de vista religioso, no estaría siguiendo los dogmas del judaísmo.

La respuesta es que esta obra se basa en un episodio del Antiguo Testamento, pero no tiene en sí carácter religioso. Recordemos que era la época del Renacimiento y que el foco estaba puesto en el ser humano y la belleza.

Y ahora… ¿dónde ponemos el David?

Miguel Ángel terminó el David en 1504. La estatua de mármol blanco, que actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia, mide 5,17 m. y pesa 5,572 kg.

Terminada la obra, cualquiera que la mirara se daría cuenta de algo: era una obra maestra. ¿Valía la pena ponerla en una iglesia oscura, por más histórica que fuera para la ciudad? No, era un desperdicio y además había otro problema: era extremadamente pesada para estar allí.

Se formó un comité de notables para determinar la ubicación de la estatua. Entre ellos, estaban artistas como Leonardo Da Vinci y Sandro Botticelli. Es decir, gente muy grosa de la época.

Después de fuertes deliberaciones, Miguel Ángel se salió con la suya y logró que la estatua se ubique frente al Palazzo Vecchio en la Piazza della Signoria, donde lo habían quemado a Savonarola. Es decir, el centro político de la ciudad.

Quedaba un último tema político a definir. La mirada tensa y amenazante del David debía dirigirse hacia alguna dirección adonde hubiera enemigos. ¿A Pisa? No, por ese entonces, el Papa Julio II le daba cobijo en Roma a los Medici, así que colocaron al David mirando en esa dirección.

Finalmente, en 1504 la estatua fue descubierta en Florencia.

El David a través de los años

El David pasó mucho tiempo a la intemperie y sufrió desgaste producto del clima, pero también tuvo otro tipo de atentados e incidentes hasta llegar a nuestros días.

En 1504, unos jóvenes partidarios de los Médici apedrearon la estatua.

En 1512, al David le cayó un rayo.

En 1527, hubo una revuelta en Florencia contra los Médici que habían vuelto al poder. A la estatua le arrojaron un banco que le rompió un brazo. Estuvo 16 años sin ese brazo.

En 1843 hubo una restauración fallida. Intentaron limpiarlo con ácido clorhídrico y al hacerlo, le quitaron la capa protectora que Miguel Ángel le había agregado, dejando a la estatua desprotegida contra el clima.

En 1873 trasladaron al David de la Piazza della Signoria a la Galería de la Academia, con el objetivo de que no sufra más daños. En 1910, hicieron una réplica del David y la colocaron en la Piazza della Signoria, donde solía estar el David original. Hasta el día de hoy el original y la réplica están en estos lugares.

En 1991, un hombre entró a la Galería de la Academia con un martillo y le propinó un martillazo a un dedo del pie del David. Debieron reconstruirlo completamente. Lo interesante fue que al analizar los restos de mármol, descubrieron que la calidad de este no era tan buena y que su desgaste iba a ser más acelerado de lo previsto.

En 2003 se realizó la restauración más grande del David desde 1843. Hubo una gran controversia respecto a qué método utilizar. Había algunos partidarios de hacer una restauración seca y no invasiva para no alterar la obra original; pero otros creían que era necesaria una restauración húmeda, a pesar de afectar la obra de Miguel Ángel. Finalmente se optó por la restauración húmeda que concluyó en 2004.

Otra referencia al David

En el episodio El Sax de Lisa (S09E03) Homero se imagina jugando al metegol (¡o futbolín!) en un museo de arte. Allí derrota al David (quien aparece con una hoja tapando sus genitales). Agrandado con la victoria, Homero pregunta quién sigue. Inmediatamente aparece El Grito del noruego Edvard Munch.

Una obra de arte inigualable

El David de Miguel Ángel es una obra cumbre en la escultura y es una de las obras de arte más reconocidas mundialmente. Es tanto motivo de admiración como de estudio. Además, es una referencia constante en cuanto a obras de arte en libros, televisión, cine y cualquier otro formato cultural.

Muchos creen que la estatua no sólo representa a David, sino también a Florencia y a su gente. Una mirada tensa y desafiante, en un cuerpo perfecto. Fuerza e independencia conjugados en una única pieza de mármol de más de cinco toneladas.

¿Causó problemas el desnudo de David, como muestran en Los Simpsons? Hay un comentario que se le atribuye a Leonardo Da Vinci, cuando formaba parte del comité para decidir la ubicación del David. Leonardo creía que la estatua necesitaba un ornamento decente. Es decir, que se cubrieran los genitales.

Más acá en la historia, este tipo de obras suelen causar revuelo únicamente en sectores ultraconservadores con influencias religiosas.

En la actualidad, la única controversia que tiene esta estatua es su significado político. Como te contaba, hay quienes creen que representa más a Florencia que a la misma Italia.

Un mundo de cultura para descubrir

Espero que este artículo te haya gustado y que hayas aprendido algo nuevo. La historia del Renacimiento es apasionante.

Si te interesan los temas de historia y política que te conté en este artículo te recomiendo ver series como The Borgias, Medici, Da Vinci’s Demons o jugar a la saga de Assassin’s Creed. Obviamente también tenés muchos libros para investigar, pero como te conozco, te recomiendo primero algo más liviano para empezar.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

Espero que este artículo te haya gustado. Si considerás que me faltó algo o querés hacer algún aporte, dejame un comentario al final del artículo.

Te invito a que recorras el blog para encontrar más referencias.

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Gracias por tomarte el tiempo de leerme.

Hasta la próxima.

Referencias y más información

La entrada El David de Miguel Ángel en Los Simpsons se publicó primero en Los Simpsons Explicados.

El Nacimiento de Venus, el cuadro de Botticelli en que Homero imagina a Margo

Alejandro De Luca — Sun, 16 Jun 2019 18:07:36 +0000

En este artículo te voy a contar la referencia de Los Simpsons al famoso cuadro El Nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli. La vida del gran artista italiano será el punto de partida para aprender sobre la temática del cuadro, quién fue la modelo inmortalizada en el lienzo y algunas curiosidades más.

Te prometo que al finalizar la lectura de este artículo habrás aprendido sobre arte e historia. Y así verás que Los Simpsons son mucho más que una serie animada de televisión.

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Episodio en el podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify

Antes de continuar, te dejo el episodio del podcast de Los Simpsons Explicados en Spotify sobre El Nacimiento de Venus. Podés escucharlo o seguir leyendo el artículo, aunque el episodio del podcast es más completo.

La referencia de Los Simpsons

En el episodio número 9 de la 5ta. temporada de Los Simpsons, Margo Zavala (que en realidad en inglés se llama Mindy Simmons) aparece como nueva compañera de trabajo de Homero. Este no puede evitar sentirse atraído no sólo por su belleza sino también por todo lo que tienen en común.

Al verla por primera vez, Homero tiene una extraña alucinación. Se la imagina desnuda en una ostra, con dos angelitos al lado. Uno personificado por Lenny y el otro por Carl.

Esta es una clara referencia al cuadro El Nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli. Un cuadro pintado entre 1482 y 1485, y perteneciente al periodo del Renacimiento.

Vamos a explorar un poco esta obra y todo lo que podamos desprender de ella.

Comencemos con el artista, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

El artista que luego fue conocido como Botticelli nació el 1 de marzo de 1445 en la República de Florencia, bajo el nombre de Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Alessandro fue el menor de cuatro hermanos. El mayor de los hermanos, Giovanni, tenía 25 años cuando este nació y lo terminó adoptando.

El nombre Sandro deriva de Alessandro, claro está. Sin embargo, el Botticelli no está del todo claro. Hay distintas versiones. La más difundida es que se cree que a Giovanni lo apodaban botticello (barril) y así fue como se le transfirió el apodo deformado a su hermanito: Botticelli.

A través de una serie de contactos de la familia, el joven Sandro aún adolescente ingresó al taller de Fray Filippo Lippi, en la ciudad de Prato. Allí aprendió y tomó mucho de su maestro, a tal punto que al día de hoy las primeras obras que se le atribuyen a Botticelli en realidad están en sospecha si no son en realidad de Lippi.

Después de vivir en Prato, Botticelli volvió a Florencia. Allí trabajó en el taller de Andrea del Verrocchio, maestro de Leonardo Da Vinci, que trabajaba principalmente para Lorenzo de Médici.

A pesar de que sus visiones artísticas diferían, Sandro y Leonardo se conocían y eran contemporáneos. No obstante, no podemos afirmar que fueran amigos o que tuvieran una relación cercana. Hay una historia que circula en internet que dice que abrieron un restaurante juntos. Es una fake news que nadie sabe de donde salió y que muchos siguen repitiendo.

El Quattrocento italiano

El Quatroccento es el periodo inicial del Renacimiento artístico, que abarcó principalmente los años 1400s, de ahí el nombre. Este movimiento se ubicó geográficamente en la zona de Italia y su capital artística fue Florencia, rivalizando con Milán.

Allí, gracias al mecenazgo de hombres poderosos y acaudalados como el ya mencionado Lorenzo de Médici, el arte tuvo un importante impulso.

El Renacimiento se caracterizó en dejar de lado el medievalismo y dar valor a lo clásico. El arte griego y el romano volvieron a ser los más importantes. La figura humana se erigió nuevamente como el centro de la escena.

El Quatroccento abarcó distintas disciplinas como la arquitectura, la escultura y la pintura.

En cuanto a los rasgos técnicos en pintura, especialidad de Sandro Botticelli, la principal característica es el uso de la perspectiva. Al comienzo del periodo se pintaron murales y luego, a partir de la segunda parte del siglo, los artistas comenzaron a pintar en óleos.

Entre las temáticas, aparece el retorno a los temas clásicos como la mitología griega y romana, aunque en ningún momento se deja de lado el cristianismo.

El Nacimiento de Venus

Ahora sí me voy a meter de lleno con la obra parodiada en Los Simpsons. Veamos cómo fue concebida la obra cumbre de Sandro Botticelli.

El enigma del encargo

Con tantas obras pictóricas antiguas y de gran calidad, a veces nos perdemos un poco en cuanto a algunos asuntos que rodean las obras de arte.

Un cuadro no se pinta en un día. Al menos no este tipo de trabajos como El Nacimiento de Venus. Se trata de un proceso que al artista le lleva meses y en algunos casos, años.

Por otro lado, en esa época, los artistas podían pintar lo que quisieran y probar técnicas pero, en general, los trabajos eran encargos. Trabajos a pedido de hombres y mujeres poderosos y acaudalados.

El caso de El Nacimiento de Venus no es distinto. Sin embargo, hasta el día de hoy se desconoce quién realizó el encargo. Se cree que por el estilo de la obra pudo ser algún noble de la esfera de los Médici.

Tampoco se sabe de qué año es exactamente la obra, aunque ha sido datada entre 1482 y 1485.

Temática

Venus es el nombre que recibe la diosa del amor, la belleza y la fertilidad en la mitología romana. Corresponde con la diosa Afrodita de la mitología griega. Por supuesto que el nacimiento de Venus es un episodio que se narra en la mitología romana.

Viendo el cuadro de Botticelli uno podría llegar a pensar que Venus nació de una ostra, ya adulta y en una escena impoluta y sagrada. Pero, como es costumbre, la mitología griega nos sorprende con situaciones un tanto extravagantes.

Lo cierto es que Saturno (Crono, en la mitología griega, uno de los Titanes), hijo de Urano y Gea, castró con una guadaña a su padre y arrojó sus genitales al mar. Las partes de Urano anduvieron mucho tiempo en el mar y se fueron convirtiendo en espuma. De esa espuma nació Venus, que llegó a la orilla de la costa de Chipre empujada por el viento.

El joven alado que aparece a la izquierda de Venus está soplando. Simboliza a Céfiro, el dios del viento del oeste que empujó a Venus hasta la orilla. Sí, los antiguos griegos y romanos tenían un dios del viento por cada punto cardinal.

En los brazos de Céfiro viene abrazada una de sus esposas, Flora, diosa de las flores y los jardines. Aunque algunos creen que no se trata de ella, sino de Aura, la diosa de la brisa.

Sí, porque a Céfiro eso de la monogamía no le iba. Y la verdad, viendo que era joven, estaba bien físicamente y encima podía volar y tenía el superpoder de soplar, nadie lo puede culpar.

Lo cierto es que la escena coincide mejor con Flora, ya que se pueden ver flores alrededor de las figuras de Céfiro y su esposa.

Venus es recibida en la playa por las Horas, diosas que representaba las estaciones. Estas Horas vistieron a Venus, tal como se puede apreciar en el cuadro de Botticelli. La mujer que aparece a la derecha de la figura principal está por cubrirla con un manto.

La ostra de la cual parece surgir Venus es un símbolo de la fecundidad. Lo es también el mar regado de flores, que es, de algún modo la forma de representar cómo el mar es fecundado por el cielo.

Si te interesa la mitología griega, te recomiendo el artículo sobre el cuadro de Goya con el Sr. Burns. Allí encontrarás otra referencia a Saturno.

Influencias

Esta obra tiene dos grandes influencias. Por un lado, las obras Las Metamorfosis y Fastos, de Ovidio. Por el otro, la obra Stanze per la Giostra, de Angelo Poliziano. En estas obras se describe el nacimiento de Venus aunque no hay necesariamente una imagen puntual, es decir, un dibujo.

Otra importante influencia es el conocimiento de un supuesto cuadro que el artista griego Apeles pintó en la antigüedad. Esta supuesta obra se titulaba Venus Anadiomena y es descrita por Poliziano en una poesía.

La técnica

El cuadro está realizado al temple sobre lienzo, un estilo más asociado a la Edad Media. Esta técnica también es conocida como témpera. Para lograrla se utiliza agua como disolvente y grasa animal, glicerina, huevo, o algún otro componente orgánico como aglutinante.

La ejecución de este tipo de obras se realizaba en etapas. Primero, se pintaba con alguna base blanca el lienzo. Luego, con un estilete se hacía el boceto de la estructura que la pintura iba a tener. A continuación, se utilizaba una tinta oscura para delinear los contornos de las figuras. Más tarde venía el turno del color. Pero no se pintaba a discreción sino que se hacía en capas de colores, separadas por barniz. Finalmente, con una pintura casi transparente (llamadas veladuras) se hacían los últimos retoques.

Las dimensiones del cuadro son 278,5 cm. × 172,5 cm. y se cree que le faltan entre unos 30 ó 35 centímetros. Esta sospecha está basada en otros cuadros contemporáneos que pintó Botticelli y que se cree que formaron parte de un mismo encargo. Lo lógico sería que todos tuvieran las mismas dimensiones y al Nacimiento de Venus le falta muy poquito para coincidir con las otras obras.

Estilo

Como se puede apreciar, no se trata de una pintura realista. La naturaleza está idealizada. El objetivo de Botticelli no fue crear un retrato realista del momento sino una visión estética.

Para lograr esto, el artista convirtió los elementos de la naturaleza en adornos y rompió con la perspectiva.

El rostro de Venus con una mirada perdida casi como un lamento no es casualidad. Evoca al recuerdo de la época clásica perdida que ya no volverá más.

Simonetta Vespucci, la musa

El rostro de Venus no es al azar. Hubo una modelo posando para Botticelli. Su nombre era Simonetta Vespucci. «La Bella Simonetta» como la conocían los artistas del Renacimiento.

Simonetta posó tanto para Botticelli como para otros pintores de la época. Entre ellos, Piero di Cosimo.

La bella Simonetta se casó a los 16 años con Marco Vespucci, pariente de quien años después se convertiría en explorador y utilizaran su nombre para bautizar al Nuevo Mundo. Sí, me estoy refiriendo a Américo Vespucio.

Al instalarse en Florencia, llamó la atención de muchos artistas, entre ellos Sandro Botticelli. Pero también de hombres poderosos como Lorenzo y Juliano de Médici. Este último la cortejó y fue su amante. Tras celebrarse un torneo, Juliano proclamó a Simonetta como la Reina de la Belleza.

Simonetta se convirtió en el símbolo de la belleza en Florencia y marcó tendencia. Sus rasgos fueron considerados sinónimo de perfección en los inicios del Renacimiento.

Lamentablemente ese status le duró poco a la pobre Simonetta. Falleció prematuramente a los 23 años, según se cree, de tuberculosis.

El final de Botticelli

Sandro Botticelli siguió pintando y en sus últimos años su estilo se hizo más bien clásico, volviendo a lo antiguo.

No tuvo hijos y no se le conocen romances. Por este motivo, fue denunciado por sodomía, es decir, por ser homosexual, una condición que en esa época se castigaba severamente. Sin embargo, la denuncia no prosperó.

Algunos creen que Botticelli era asexuado. Tenía pánico al matrimonio y su vida era su arte.

No es alocado creer que Simonetta fue su amor platónico. Tras la muerte de ella, Botticelli siguió pintando mujeres con sus mismos rasgos. Quizás, una forma de tenerla presente y no olvidarla.

Sandro Botticelli falleció en 1510, en Florencia, a los 65 años. ¿Su última voluntad? Pidió que sus restos fueran enterrados a los pies de su musa, Simonetta Vespucci.