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Las referencias a El Grito, de Edvard Munch en Los Simpsons

Alejandro De Luca — Tue, 11 Feb 2025 20:00:00 +0000

En este artículo de Los Simpsons Explicados te cuento sobre el famoso cuadro El Grito del pintor noruego Edvard Munch. Veremos qué tipo de obra es y también vamos a conocer un poco de la vida del artista. Así que, si te gusta el arte, en este artículo aprenderás algo sobre uno de los cuadros más famosos del mundo.

Pero primero, comencemos con las referencias de Los Simpsons a El Grito, de Edvard Munch.

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Referencias a El Grito

La primera referencia la tenemos en el episodio La Casita del Horror IV (S05E05). Bart presenta los episodios, mientras detrás de él desfilan cuadros famosos parodiados. Esto es un homenaje a Rod Serling’s Night Gallery, un show de televisión estadounidense que presentaba historias de terror y temas sobrenaturales y que estuvo activo desde 1970 hasta 1973.

Entre las obras que pasan, ya hemos visto en otro artículo que aparece El Hijo del Hombre, de René Magritte. Te recomiendo mucho ese artículo: Los Simpsons y René Magritte.

Entre otros cuadros, pasa también una parodia de El Grito, de Edvard Munch, donde vemos a Lisa en vez de la clásica figura atormentada del cuadro.

El Grito vuelve a aparecer en Los Simpsons, en una fantasía de Homero en el episodio El Sax de Lisa (S09E03). Allí Homero derrota en el metegol a varias obras de arte y al preguntar quién es el siguiente, aparece una personificación de El Grito exclamando «¡Yooooooo!».

El artista, Edvard Munch

El Vampiro, 1893, de la serie Friso de la vida. Kunstmuseum Gotemburgo.

El cuadro El Grito es en realidad una serie de cuadros y de grabados, del artista noruego Edvard Munch. Estas obras datan del siglo XIX, siendo la más conocida de todas de 1893.

Edvard Munch fue un pintor noruego cuya obra exploró las profundidades de la emoción humana a través de un estilo expresionista único, aunque algunos creen que no fue realmente un expresionista y que tiene rasgos propios del simbolismo.

Munch nació en 1863 en la ciudad de Ådalsbruk y su infancia estuvo marcada por la enfermedad y la pérdida, experiencias que influyeron profundamente en su arte. A lo largo de su carrera, Munch desarrolló una paleta vibrante y una técnica cargada de dramatismo, utilizando líneas ondulantes y colores intensos para transmitir estados anímicos complejos.

Sus primeras influencias provinieron del simbolismo y el impresionismo, pero con el tiempo creó un lenguaje visual propio que trascendió los movimientos artísticos de su época. Es por eso que es difícil asociarlo a una corriente en particular.

Uno de los temas recurrentes en su obra fue la fragilidad de la existencia humana, con una constante exploración del amor no correspondido, la muerte y la ansiedad. Obras como Madonna y El Baile de la Vida muestran su fascinación por la dualidad entre el deseo y la melancolía, con figuras que parecen atrapadas en una atmósfera de ensueño y desesperación.

Además, su serie de pinturas titulada Friso de la Vida refleja su obsesión con los ciclos de la vida, desde la juventud hasta la muerte, abordando la angustia y la efimeridad con una intensidad casi teatral.

Madonna, 1894-1895, perteneciente a la serie Friso de la Vida. Norwegische Nationalgalerie.

Más allá de la pintura, Munch incursionó también en la litografía y el grabado, dejando una huella duradera en el arte gráfico. Su legado influyó en generaciones de artistas expresionistas, especialmente en Alemania, donde su obra fue acogida con entusiasmo, hasta la llegada de los nazis, quienes consideraron el arte de Munch arte degenerado (en alemán, Entartete Kunst)

A pesar de los altibajos de su carrera y las críticas que enfrentó en vida, Munch logró consolidarse como un referente esencial del arte moderno. Su impacto sigue vigente, y sus obras continúan siendo estudiadas por su capacidad de plasmar la psique humana con una fuerza arrolladora.

Una obra marcada por la muerte y la angustia existencial

Como te contaba, la vida de Edvard Munch estuvo marcada por la tragedia desde su infancia. A los cinco años, su madre murió de tuberculosis, dejándolo al cuidado de su padre, un hombre profundamente religioso que le inculcó un temor casi obsesivo a la muerte y al pecado.

La tragedia volvió a golpear a la familia cuando su hermana mayor, Sophie, murió de la misma enfermedad cuando Munch tenía 14 años. Estas pérdidas lo afectaron profundamente y se convirtieron en temas recurrentes en su obra, donde la enfermedad, la muerte y la angustia existencial aparecen con frecuencia.

Además de la muerte de su madre y su hermana, Munch sufrió problemas de salud durante toda su vida. Desde niño padeció enfermedades respiratorias y pasó largos periodos encerrado en casa, donde desarrolló su gusto por el dibujo y la pintura.

¿Algo más? Sí, todo siempre puede ponerse peor. Su hermano Andreas murió poco después de casarse, y su otra hermana, Laura, fue diagnosticada con trastornos mentales y pasó la mayor parte de su vida en hospitales psiquiátricos.

La combinación de enfermedades físicas y trastornos mentales en su familia hizo que Munch sintiera una conexión constante con la fragilidad de la existencia, lo que se reflejaba en su arte de manera intensa y angustiante.

Los trastornos mentales de Munch

La adultez de Munch tampoco estuvo libre de tormentos. Nunca se casó y sus relaciones amorosas fueron turbulentas, marcadas por la desconfianza y la ansiedad.

En 1908 sufrió una crisis nerviosa grave, potenciada por su consumo de alcohol y el estrés acumulado, lo que lo llevó a internarse en una clínica psiquiátrica en Dinamarca. Tras su recuperación, adoptó un estilo de vida más solitario, dedicándose por completo a su arte en su casa en las afueras de Oslo.

A pesar de su aislamiento, su producción artística continuó hasta su muerte en 1944, dejando un legado profundamente marcado por su vida personal trágica y su lucha constante contra la enfermedad y la pérdida de seres queridos.

Hay más de un grito

El Grito, Litografía, 1896.

El Grito no es una obra única, sino una serie de versiones que Edvard Munch creó entre 1893 y 1910 utilizando diferentes técnicas. Existen cuatro versiones principales: dos en pintura (una en témpera y otra en óleo), una en pastel y otra en litografía. Cada una presenta ligeras variaciones en color y textura, pero todas mantienen la misma composición: una figura angustiada con el rostro distorsionado frente a un cielo ondulante y dramático.

Las versiones más conocidas se encuentran en la Galería Nacional de Noruega y en el Museo Munch en Oslo. Además, Munch produjo litografías de la imagen para su reproducción, lo que ayudó a difundir su impacto en la cultura visual.

A lo largo de los años, algunas versiones de El Grito han sido objeto de robos y recuperaciones, lo que ha aumentado aún más su notoriedad. Algo similar a lo que ocurrió con La Gioconda de Leonardo da Vinci, que era un cuadro menor hasta que fue robado y, posteriormente, recuperado.

El grito más conocido

El Grito, 1893. Galería Nacional de Noruega

La versión más conocida de El Grito es la pintura realizada en 1893 con técnica de témpera sobre cartón, que mide 91 x 73,5 cm. Esta obra se encuentra en la Galería Nacional de Noruega en Oslo y es considerada una de las piezas más icónicas del arte expresionista.

En ella, Munch plasmó una escena de profunda angustia existencial, con una figura andrógina de rostro distorsionado y manos en la cara, como si estuviera atrapada en un grito silencioso. El fondo ondulante y los colores intensos del cielo refuerzan la sensación de inquietud y desesperación.

Temáticamente, la pintura refleja la ansiedad y el tormento interior, inspirados en una experiencia personal del artista. Según Munch, la idea surgió mientras caminaba por un sendero en Oslo cuando, de repente, sintió una «enorme ola de ansiedad» y percibió un cielo rojo sangre que lo envolvía.

Esta visión quedó plasmada en la obra, que ha sido interpretada como una representación del miedo, la alienación y la angustia moderna. La pieza se enmarca dentro del expresionismo, un movimiento que buscaba representar las emociones humanas de manera intensa y subjetiva, distorsionando la realidad para enfatizar sentimientos profundos.

En cuanto a sus influencias, Munch tomó inspiración del simbolismo, en particular de artistas como Vincent van Gogh y Paul Gauguin, quienes también exploraban la emoción a través del color y la forma.

Además, la obra refleja el impacto de la psicología en el arte, con referencias al existencialismo y a la fragilidad de la mente humana.

El Grito ha sido objeto de múltiples análisis y ha dejado una huella imborrable en la cultura visual, convirtiéndose en un símbolo universal de la angustia y la desesperación.

Además, ha sido objeto de parodia, como las referencias de Los Simpsons, y con el tiempo, se ha convertido en una pintura de culto.

Más referencias de Los Simpsons en Los Simpsons Explicados

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Hasta la próxima.

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René Magritte y Los Simpsons: referencias al gran artista belga

Alejandro De Luca — Fri, 09 Jul 2021 09:00:52 +0000

En este artículo te voy a contar los homenajes y parodias de Los Simpsons al artista belga René Magritte, maestro del surrealismo. Vamos a ver qué pinturas aparecen en la serie y a conocer un poco sobre la vida y la obra de uno de los artistas más interesantes del siglo XX.

Magritte es uno de mis artistas favoritos y he tenido la oportunidad de visitar el museo dedicado exclusivamente a su obra en Bruselas. Así que en este artículo se combinan dos intereses personales, por lo que resulta muy especial para mí.

Antes de conocer las referencias en Los Simpsons a Magritte, aprendamos un poco sobre este artista belga.

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René Magritte

Magritte nació en Lessines, cerca de Bruselas, en 1898. Es uno de los exponentes más importanes del arte belga, que incluye a artistas del calibre de Peter Paul Rubens.

Si no sabés mucho de arte te cuento que Rubens está considerado como uno de los mejores de la historia. A pesar de tener estilos distintos, algunos creen que Magritte está a su altura.

Maestro del surrealismo

Y hablando de estilos, ¿a qué movimiento pertenecía Magritte? Fue uno de los grandes maestros del surrealismo, junto a Salvador Dalí y André Breton, entre otros. Aunque hay que destacar que Magritte tenía su propia corriente, que no tenía tanto que ver con los otros artistas de su mismo movimiento.

Los cuadros de Magritte son llamativos. Aparecen elementos en posiciones que no son comunes. Algunos de ellos agrandados y otros en lugares extraños. Las figuras que aparecen tienen rostros cubiertos o tapados, rasgos alterados o se encuentran en locaciones difíciles de comprender.

Uno de los cuadros más famosos de Magritte es La trahison des images, o La Traición de las Imágenes, en español. En esta obra el artista dibujó detalladamente una pipa y debajó escribió la frase «Ceci n’est pas une pipe» (Esto no es una pipa). Lo cual parece una contradicción, pero no lo es, porque justamente no es una pipa, sino una imagen de una pipa.

Obra críptica

Varios de los cuadros del artista parecen esconder algún significado. Eso es algo que siempre me ha apasionado de Magritte. Parece haber un código en esas figuras crípticas.

En uno de los libros de arte que tengo con su obra, en la primera página hay una frase del propio Magritte que dice «La gente está siempre buscando simbolismos en mi obra. No hay ninguno». Parece desesperanzador pero a esa frase la antecede otra: «Todo lo que vemos esconde algo más».

Obviamente me quedo con esta última.

Te podría contar más sobre Magritte, pero vamos directo a las referencias de Los Simpsons, que van a dar pie a conocer dos de sus cuadros más importantes.

El Hijo del Hombre

En el episodio La Casita del Horror IV (S05E05), Bart presenta los diferentes segmentos a través de cuadros. Esto es una referencia al porgrama Night Gallery, conducido por Rod Serling. Una especie de La Dimensión Desconocida, que duró tres temporadas a partir de 1969.

En cada presentación, detrás de Bart vemos pasar parodias a obras de reconocidos artistas como Picasso, Van Gogh y Dalí. En este artículo no me voy a detener a explicar esas referencias. Lo voy a dejar para otro especial.

Además de la obra de estos reconocidos artistas, aparece la parodia de un cuadro de René Magritte. Se trata de su obra más conocida: El Hijo del Hombre.

Este es un autoretrato que pintó en 1964 y en la que se dibujó con una manzana delante de su rostro, tapándolo parcialmente.

La figura de hombres con sombrero tipo bowler es una constante en la obra de Magritte. Se cree que representan a su padre, un vendedor que vestía trajes grises y llevaba ese tipo de sombreros. En este caso, el propio Magritte se pone en su piel.

A Magritte le pidieron un autorretrato, algo que no estaba acostumbrado a hacer. La idea no parecía cerrarle. Al artista le planteaba un dilema moral. Lo resolvió de forma simple: con una manzana tapando su rostro.

Pero hay otros detalles interesantes en esta obra. Presenta una extraña asimetría. La oreja derecha es más grande que la izquierda. ¿Y qué ocurre con el brazo derecho? Parece como si estuviera al revés y el codo sobresaliera. Además, ¿qué pasó con el botón de abajo del saco? ¿Dónde está?

Sobre la manzana hay muchas interpretaciones. ¿Es una referencia a Adán y Eva y la caída en desgracia del ser humano? Difícil saberlo.

Estos detalles que parecen mínimos tienen un sentido cuyas interpretaciones hacen que la obra de Magritte sea tan fascinante.

Lo interesante de El Hijo del Hombre es que no está en exhibición en ningún museo del mundo debido a que pertenece a una colección privada. Sin embargo, una vez cada tanto, se organiza una exposición para que la gente lo pueda ver. Al momento de escribir este artículo, el cuadro fue expuesto por última vez en 2018 en el MOMA de San Francisco.

Golconda

En el episodio Los monólogos de la reina (S15E04), Los Simpsons visitan Inglaterra. En este capítulo hay invitados como Tony Blair, Jane Leeves, Ian McKellen y J.K. Rowling. Sin embargo, el detalle que nos interesa aquí está al principio, cuando muestran Londres por primera vez.

Tenemos un doble homenaje justo antes de que aparezca el Primer Ministro Tony Blair. En la imagen vemos el típico paisaje de Londres con el Big Ben y el Támesis, pero al mismo tiempo se ven muchas Mary Poppins volando con paraguas. Algunas están cerca, otras más lejos. Algunas van, otras vienen, dando la espalda o estando de frente al espectador.

Obviamente que, por un lado, esto es un homenaje a Mary Poppins, de Disney, De hecho, escuchamos los acordes de Spoonful of Sugar. Pero nuevamente, no nos vamos a meter en este homenaje, ya que como seguramente sepas, hay un capítulo entero que se dedica a parodiar a Mary Poppins.

La pregunta es, ¿por qué aparecen muchas Mary Poppins en esas posiciones? Porque esto es una parodia al cuadro Golconda de René Magritte, pintado en 1953.

Este cuadro, al igual que El Hijo del Hombre es del periodo final considerado como la madurez de René Magritte. Presenta la figura de muchos hombres repetidos sobre un paisaje de edificios. Todos estos hombres flotan en el aire, llevan sombreros bowler y visten trajes negros o grises.

¿Son todos ellos iguales? No, cada uno tiene rasgos que lo diferencian de los demás. Uno de ellos, está basado en su amigo Louis Scutenaire quien le sugirió el nombre Golconda para su obra. Golconda era una ciudad mítica de la India, capital de dos imperios. Allí se producían los diamantes más grandes del mundo.

El patrón parece similar al de un empapelado. Esto no es casualidad. Magritte trabajó creando este tipo de patrones durante sus comienzos como diseñador gráfico.

Otras referencias menores

Encontré algunas referencias menores a la obra de Magritte, ambas a El Hijo del Hombre.

En el episodio El Sax de Lisa (S09E03), cuando llevan a Lisa a la escuela para potenciar sus habilidades, vemos de fondo durante apenas un segundo, que uno de los niños que estudia allí está emulando a Magritte con su propia versión de El Hijo del Hombre. Se ve claramente una manzana verde sobre la figura de un rostro.

En el episodio Misionero Imposible (S11E15) Homero mira la PBS (televisión pública de Estados Unidos) y allí piden donaciones y cambio ofrecen algunos ítems. Entre ellos, un CD con sonido de ambiente del MET de New York (el museo de arte moderno). En la portada del CD se ve a un hombre con sombrero bowler de espaldas al espectador, mirando un cuadro con una manzana verde. Clara referencia a la obra de Magritte.

Un artista para descubrir

Podría escribir mucho más sobre Magritte, pero me parece que con esto es suficiente. Te recomiendo que investigues su obra. Vas a descubrir cuadros alucinantes y cuando descubras sobre qué trata cada uno, y conozcas los sucesos de la vida del artista, vas a alucinar.